Embrasser le monde à travers des sons exigeants

Quelques impressions du 63e Jazzfest Berlin, qui s’est déroulé du 28 octobre au 1er novembre 2026. Beaucoup de papier sur scène – et des concerts plein d’âme portés par le saxophoniste Immanuel Wilkins et la violoncelliste Tomeka Reid, ainsi qu’un ensemble redynamisé issu de l’histoire du jazz moderne.

Les moments les plus bouleversants sont survenus tout à la fin. Des instants d’une portée proprement historique pour le jazz. Car sur scène, assis côte à côte devant un même piano à queue et aperçus en demi-profil par le public, la pianiste Aki Takase et son partenaire musical et époux Alexander von Schlippenbach étaient entourés d’une bonne douzaine de figures chevronnées et de représentants de la génération intermédiaire, tous adeptes de la frange la plus radicale du jazz. Ce duo à quatre mains formait le cœur battant du « Globe Unity Orchestra », dont la configuration actuelle ravivait le souvenir d’un événement survenu soixante ans plus tôt lors de ce même festival.

À l’époque, le pianiste Alexander von Schlippenbach, alors âgé de 28 ans, avait réuni un ensemble de treize musiciens pour créer, le 3 novembre 1966 à la Philharmonie de Berlin — ce temple de la musique savante —, une pièce intitulée « Globe Unity ». Le festival s’appelait alors encore les « Berliner Jazztage » ; il constituait un pont aérien culturel essentiel entre la ville divisée et le reste du monde, et Schlippenbach, aux côtés de ses complices d’alors comme le trompettiste Manfred Schoof et le saxophoniste Peter Brötzmann, avait suscité des réactions farouchement contrastées : les titres de presse allaient alors de « Blague de garçons à la Philharmonie » à « Du jazz fusionné avec la musique savante ».

VPlace donc au concert du 60e anniversaire de l’ensemble – où seuls Alex von Schlippenbach (88 ans) et le trompettiste Manfred Schoof (désormais nonagénaire) représentaient encore la formation d’origine. Le résultat ? De l’énergie à l’état pur ! Porté par une force irrésistible, un jazz d’une fraîcheur surprenante a jailli de la scène, fait de grondements, de sifflements et de tourbillons, tandis que des tutti de cuivres aux arêtes vives nous fouettaient d’une improvisation à l’autre avec un plaisir évident. Une pléiade de fortes individualités du jazz : les méandres aériens du saxophone soprano d’Evan Parker, la rondeur et la douceur consolatrice de la trompette de Manfred Schoof, la sonorité aux mille nuances du trombone de George Lewis, et ce double solo de Takase et Schlippenbach, pimenté de prises de bec audacieuses dans les cordes étincelantes, tous deux jouant debout au piano à queue. En bouquet final, un crescendo presque manique de tout l’orchestre, suivi d’une cassure sèche et brutale. Puis, des vagues d’applaudissements enthousiastes s’emballant dans la grande salle comble de la Haus der Berliner Festspiele. Et cette image poignante : Aki Takase, vêtue d’une longue robe verte et munie d’un grand sac rouge, guidant à petits pas un Alexander von Schlippenbach très voûté vers la sortie, non sans donner une petite tape affectueuse sur la tête de son partenaire avant de quitter la scène, pour qu’il se retourne une dernière fois vers ce public qui n’en finissait plus d’ovationner.

Il est des instants de festival que l’on n’oublie jamais : ces moments où de puissantes impressions musicales se fondent en de profondes rencontres humaines. C’était là un moment tel qu’on n’osait plus guère en espérer après les premiers jours de cette édition. Car, sur de vastes pans, le jazz s’était présenté sous un jour frappant de sécheresse, d’âpreté et de papier. Sous la devise aux accents sensuels « Dream Baby Dream », la directrice artistique Nadin Deventer avait mis à l’affiche une large part de jazz richement et strictement composé. La programmation de la scène principale faisait la part belle à des commandes d’œuvres de longue haleine, exigeant du public une capacité d’attention hautement aiguisée.Parmi elles, le « Large Ensemble » de la saxophoniste argentine établie à Berlin Camila Nebbia, dont la pièce de 50 minutes intitulée « the darkness, overwhelming and imposing, compelled me to light my own fires » faisait alterner des éruptions de free jazz et de délicates sections écrites. Alliant productions vidéo et musique, l’œuvre s’inspirait de l’histoire migratoire de l’arrière-grand-père de Camila Nebbia, émigré jadis du Liban vers l’Argentine.

La veille au soir déjà, la figure emblématique du jazz free complexe Anthony Braxton (né en 1945 à Chicago) avait présenté une nouvelle composition pour septuor (quatre saxophones et trois tubas) qui avait serpenté sans relâche pendant une heure environ, au rythme de mouvements lents et insaisissables. Et lors de la troisième soirée du festival, le batteur Christian Lillinger a proposé une création intitulée « Christian Lillinger’s Open Form For Society II », interprétée par cinq instruments à clavier (dont deux pianos à queue et un célesta), trois contrebasses, ainsi qu’un vibraphone et une batterie. Annoncée comme une « musique de chambre radicalement condensée », la composition jouait sur le charme des superpositions sonores complexes et développait une aura presque méditative au fil du tissage ininterrompu de sonorités de claviers stridentes, de chuintements nerveux et de puissants grondements.

Face à de tels concerts, le public devait conquérir la musique par une écoute patiente et active. Une telle programmation a pourtant sa pleine légitimité : à une époque où certaines forces politiques se plaisent à proclamer la simplicité du monde, il est essentiel que les arts puissent démontrer combien sa complexité est réelle. La directrice artistique du Jazzfest exige à juste titre beaucoup d’un public – apparemment très réceptif – ; toutefois, elle n’a pas toujours eu, cette fois-ci, le dosage idéal au fil des différentes soirées.

Les applaudissements témoignaient toujours d’un profond respect, mais c’est comme une délivrance qu’ils ont éclaté lors d’autres concerts. L’un d’eux fut celui du jeune altiste afro-américain de 29 ans, Immanuel Wilkins, et de sa formation. D’un calme décontracté lors de ses prises de parole bienveillantes, ce musicien acclamé à l’international depuis quelques années a ensuite livré, aux côtés de ses complices Micah Thomas au piano, Ryoma Takenaga à la contrebasse et Kweku Sumbry à la batterie, une musique d’une densité et d’une puissance inouïes, d’un impact immédiat. Le batteur de ce quatuor maintenait le son à un niveau énergétique stratosphérique grâce à des détonations d’une précision redoutable,tandis que le jeu du leader s’insérait au cœur des flux groovants et chatoyants en de délicates cantilènes. Dans un morceau plus lent, Immanuel Wilkins a enrichi son timbre de saxophone, déjà inimitable, d’une sensualité évoquant la beauté chaleureuse d’une voix profonde de gospel. Au milieu des nombreux moments cérébraux de ce festival, la prestation de Wilkins fut l’une des plus habitées.

Un autre moment de grâce, longuement acclamé sur la grande scène, fut le concert de la violoncelliste afro-américaine Tomeka Reid, entourée de la guitariste Mary Halvorson, du contrebassiste Jason Roebke et du batteur Tomas Fujiwara. Les pièces de ce quatuor possèdent l’aura de chansons instrumentales subtiles et tirent leur force, entre autres, de conduites de voix magistrales sur des motifs sans cesse répétés et variés, de délicats effets de texture et d’un humour d’une extrême discrétion. Les sonorités du violoncelle en fibre de carbone de Tomeka Reid et des autres instruments s’entremêlaient avec raffinement, les notes papillonnant d’un musicien à l’autre, tandis que Mary Halvorson, guitariste encensée de toutes parts, apportait une variété de timbres proprement prodigieuse. Une musique dotée d’une forte personnalité et d’un immense potentiel de plaisir esthétique.

Cette édition de l’un des plus importants festivals de jazz au monde, toujours soumis à une forte exigence de singularité, a également connu des moments étonnamment faibles — à l’instar du concert de l’autrice-compositrice-interprète américaine Wendy Eisenberg au club Quasimodo : si son répertoire laissait entendre d’élégantes compositions personnelles aux accents folk et country, sa justesse vocale est restée, hélas, bien en deçà d’un niveau acceptable.

Dans un autre lieu satellite, le club de jazz A-Trane, on a en revanche pu vivre un temps fort qui aurait amplement mérité la grande scène : « Elid Forkelid Plays For Trane ». Il s’agissait d’un hommage de la saxophoniste suédoise Elid Forkelid (née en 1984) au géant afro-américain du saxophone John Coltrane (qui aurait eu cent ans en 2026). Au sein de son quintette, aux côtés notamment de David Stackenäs à la guitare et de Jon Fält à la batterie, elle a interprété des classiques de Coltrane tels que « After The Rain » et « Peace on Earth », avec une majesté à la fois ciselée et délicate. De la musique pour les âmes avides de découvertes.

Le mot d’ordre du festival, « Dream Baby Dream » — emprunté à un film réalisé en 2025 comme projet communautaire du Jazzfest par soixante participants issus de divers horizons, célébrant la créativité partagée de profils multiples —, a trouvé son incarnation la plus limpide et la plus sincère lors de la dernière soirée grâce à une chanteuse. L’interprète indo-américaine ganavya y a offert un récital où son chant chaleureux et richement orné n’était soutenu que par la harpe et la contrebasse. Entre deux pièces, elle a confié au public vouloir lui présenter quelqu’un : elle a alors fait monter sur scène son époux portant leur fille née tout juste sept semaines plus tôt. Prenant l’enfant dans ses bras, elle a expliqué qu’au cours d’un concert, les spectateurs devenaient, le temps de la représentation, les membres de sa propre famille. Un peu plus tard,elle a entraîné la salle à chanter en chœur deux vers empreints de la magie de l’amour et de l’existence. Des ondes de communion d’une simplicité désarmante ont alors circulé entre la scène et la salle. Dans le cadre d’un festival dont la vocation était de relier les êtres en des temps de fracture, la prestation de ganavya s’est révélée, de façon surprenante, exempte de tout artifice ou de mièvrerie. Elle a magnifiquement illustré toute l’amplitude des émotions et de la musique qu’un tel événement peut susciter. Une amplitude à l’image de l’écart d’âge unissant les deux figures les plus jeune et la plus âgée réunies sur scène lors de ce dernier soir du Jazzfest 2026 : le nouveau-né de sept semaines de ganavya et le trompettiste nonagénaire Manfred Schoof. Le jazz à Berlin : un véritable dialogue entre les générations !

Roland Spiegel

Traduit avec l’aide d’une IA et l’expérience d’Anne Schmidt.