1 – Manzello
2 – Stitch
3 – Tenorsaxofon
4 – Querflöte
5 – Signalhorn
6 – Percussion

Rahsaan Roland Kirk (1935-1977) … mit 2 Jahren erblindet er, mit etwa 6 Jahren baut er sich eine Trompete aus einem Gartenschlauch, in der Blindenschule lernt er Flügelhorn, Trompete, Klarinette und Saxofon, mit 16 begann er zwei Blasinstrumente gleichzeitig zu spielen – Stitch (ein gerades Altsaxofon) und Manzello (ein gebogenes Sopransaxofon), die er sich selbst mit Extraklappen zum jeweils einhändigen Spiel umbaute, kurze Zeit später kommt noch ein Tenorsaxofon als drittes Instrument und den Hals gehängt hinzu.

Und irgendwann beherrscht er um die 50 Instrumente – teilweise selbst gebaut und mit Phantasienamen benannt – die er gerne gleichzeitig aber auch einzeln zum Einsatz bringt. Auch war er einer der ersten der mit primitiven elektronischen Sounds experimentierte oder seine Stimme wie ein zusätzliches Instrument nutzte.

Dies alles hört sich wie eine Zirkusnummer an, doch Rahsaan Roland Kirk war ein hochbegabter Jazzmusiker mit unbändiger Energie und Spiellust, die auch viele seiner Kollegen zum Staunen brachte.

Mein liebstes Album ist die Live-Aufnahme „Volunteered Slavery“ (1969, Atlantic) u.a. mit dem „Roland Kirk Spirit Choir“, das für gehörig Stimmung sorgt und beweist, dass guter Jazz auch äusserst eingängig sein kann. Ein ähnliches, fast noch besseres Konzert von 1970 aus dem Studio 104 von Radio France kann man hier in zwei Teilen anhören.

Wie das Ganze live aussieht, zeigt diese großartige Filmcollage in der Kirks Musikuniversum mit Gedanken eines weiteren großen Forschers der Musik, John Cage, zusammenmontiert wird.

» Quelle und mehr Information

Der für mich wichtigste Jarrett-Moment findet sich auf „Solo Concert - Bremen-Lausanne“ (1973) im Lausanne-Teil von Minute 29:52 bis Minute 38:00. (Dieser Herr sieht das ähnlich.) Der Wechsel zwischen der perkussiven Bearbeitung des Flügels, dem lyrischem Tastenspiel und R&B-Rhythmen in diesen acht Minuten absolut faszinierend.

Auch insgesamt ist dieses Album eines der bemerkenswertesten in Keith Jarretts immensem Werk und wurde vor kurzem, 50 Jahre nach seiner Erstveröffentlichung, von ECM als Faksimile wiederveröffentlicht.

Etwa 1995 tauchte in meinem musikalischen Universum eine Kassette auf, die das erste Album einer belgischen Band namens „Die anarchistische Abendeinhaltung“ enthielt. Der Name war dem Buch „Der Steppenwolf“ von Hermann Hesse entnommen, die Band bestand aus vier klassisch ausgebildeten Musikern die Klarinette, Geige, Cello und Akkordeon spielten. Mit viel Punk-Allüren entwarfen sie eine Musik in der vieles durcheinander geriet und sich zu einer völlig neuen Art von Kammermusik entwickelte.

Im Laufe der Jahre erreichten mich alle anderen Alben kurz nach ihrer Veröffentlichung per Post und enttäuschten nie. Die Zusammensetzung der Band änderte sich immer wieder mal, der Name wurde gelegentlich aus praktischen Gründen zu DAAU verkürzt, der Sound wurde mal elektronischer, mal abstrakter, es gab Ausflüge in die Theatermusik und Zusammenarbeit mit anderen Künstlern. Die Grundidee einer energiegeladenen Kammermusik blieb immer erhalten.

Das erste Album (1995, Sub Rosa), das zu meinen All-Time-Favoriten gehört, wurde vor kurzem neu aufgelegt und man merkt absolut nicht, dass die Aufnahme bereits 28 Jahre alt ist.

Ebenso vor kurzem erschien das 12. Album der Band, „Musik für animierten Tonspurfilm“ (2023, Sub Rosa) – mit ausgeklügelten Audiocollagen, die das bisherige Schaffen der Band zusammenfassen.

P.S. Im Oktober 1998 spielten DAAU übrigens ihr einziges (?) Konzert in München, das Publikum war nicht sehr zahlreich (etwa 20 Besucher), dennoch gab es eine Zugabe nach der anderen und wurde so zu einem unvergesslichen Abend.

Lesetipp: Hermann Hesses „Steppenwolf“, ein Roman den man oft in jungen Jahren gelesen hat, verliert bei der erneuten Lektüre im Alter von Harry Haller - in den Fünfzigern - nichts von seiner Faszination und Aktualität und enthält unter anderem einige interessante Bezüge zur Jazz-Musik.

Die Geschichte der Goldberg-Variationen von Johann Sebastian Bach (Vater) ist noch lange nicht auserzählt … Soeben erschien eine neue interessante Version des isländischen Pianisten Víkingur Ólafsson (2023, Deutsche Grammophon), auf den ich vor einigen Jahren über eine zauberhafte Einspielung von Klavierwerken von Philip Glass aufmerksam wurde. Er interpretiert nun Bachs Monumentalwerk in teilweise schwindelerregendem Tempo und findet neue rhythmische Varianten, die das Werk auf völlig neue Weise lebendig werden lassen. Insgesamt klingt alles sehr frisch und reiht sich schnell in meine Lieblingsversionen ein.

Ein anderes Album, zu dem ich in letzter Zeit immer wieder zurückkehre, sind die „Württembergischen Sonaten“ von Carl Philipp Emanuel Bach (Sohn), 1995 auf dem Klavier eingespielt von Keith Jarrett (2023, ECM). Sehr geradlinig und doch mit immenser Anmut.

C. P. E. Bach, der im 18. Jahrhundert ein massgebende Theorie über den Klavierunterricht verfasste, den „Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen“, schreibt in diesem zweibändigen Werk Sätze wie diesen: „§. 13.  Indem ein Musickus nicht anders rühren kan, er sey dann selbst gerührt; so muß er nothwendig sich selbst in alle Affecten setzen können, welche er bey seinen Zuhörern erregen will; er giebt ihnen seine Empfindungen zu verstehen und bewegt sie solchergestalt am besten zur Mit-Empfindung. Bey matten und traurigen Stellen wird er matt und traurig. Man sieht und hört es ihm an. Dieses geschieht ebenfalls bey heftigen, lustigen, und andern Arten von Gedancken, wo er sich alsdenn in diese Affecten setzet.“ (Quelle). Der Autor hätte sich kaum eine bessere Umsetzung dieser Theorien wünschen können, als die von Keith Jarrett.

P.S. Eine schöne Entspannungsübung für zwischendurch ist es, sich hin und wieder eine Sonate oder ein paar Variationen einzeln zum Anhören vorzunehmen. 

„In gewisser Hinsicht kann man Carla Bley als das weibliche, jazzorientierte Gegenstück zu Frank Zappa bezeichnen. Im kompositorischen Œuvre beider spielen Humor, Spott und Sinn für Skurriles eine ebenso wichtige Rollen wie harmonische und rhythmische Finesse oder das Gespür für einprägsame, aber dennoch unberechenbare Melodien. Und wie Zappa erlernte auch Carla Bley ihr Handwerk größtenteils autodidaktisch.“ (JazzEcho)

… feierte am 2. September seinen siebzigsten Geburtstag. Anstelle eines Textes präsentiere ich hier lediglich eine Brainstorming-Stoffsammlung, die weit davon entfernt ist vollständig zu sein. Aber sie zeigt – als eine Art persönliche Wimmelgrafik – unter anderem einige der Bezugspunkte, die ich im Laufe vieler Jahre mit John Zorns Werk hatte, und darüber hinaus einiges, was ich gerne noch weiteverfolgen möchte.

Da wir in Zukunft wahrscheinlich nicht mehr ohne KI auskommen werden, müssen wir eben anfangen, mit ihr auf möglichst intelligente Weise zu leben. Dies ist der Fall beim Orchestre National de Jazz (ONJ), mit ihrem Album „Ex Machina“, das unter der Leitung von François Morin und mit Hilfe des Klangforschers und Saxophonisten Steve Lehman die KI in ihr Ensemble eingegliedert hat. Das Ergebnis ist ein aufregendes Klangerlebnis, bei dem akustische und elektronische Instrumente immer wieder ineinander übergehen und sich neu verknüpfen. Eine faszinierende Reise mit 18 Musikern und einer künstlichen Intelligenz, die Hörgewohnheiten auf den Kopf stellt und dabei trotzdem sehr zugänglich bleibt.

Als ich im Frühjahr das Programm live bewundern konnte, entdeckte ich am Verkaufsstand ein weiteres sehr schönes Projekt des ONJ. Eine von Dracula inspirierte Erzählung mit Text und Musik für ein Publikum von 6 bis 666 Jahren, von zwei Schauspielerinnen und neun Mitgliedern des ONJ auf sehr poetische Weise umgesetzt wurde. Die daraus entstandene CD ist einem opulentes Buch mit Monotypien der Illustratorin Adele Maury beigefügt, die die Geschichte nochmals als eine Art Graphic Novel mit ihren eigenen Bildern nacherzählt. Ein weiteres schönes Beispiel für ein gelungenes Crossover zwischen verschiedenen Künsten.

www.onj.org

Es gibt einige Künstler, die sich wie ein roter Faden durch diesen Blog ziehen. Franz Schubert gehört unter anderem dazu. Auf dem kleinen, fein konzipierten Label Vision Fugitive ist soeben das Album „Sehnsucht“ mit einer Auswahl seiner Liedkompositionen in Gitarrenbegleitung erschienen. Anfang des 19. Jahrhunderts, der Zeit in der Schubert mit seinen Kameraden durch Wien und sein Umland zog und in Kneipen und Wohnungen Soireen veranstalteten, war die Gitarre ein gern gesehenes Begleitinstrument. Daher wurden schon damals Liedpartituren nicht nur mit Klavierbegleitung, sondern auch mit Gitarrenbegleitung veröffentlicht, die oft von den Verlegern selbst angepasst wurde.

Aus diesen Versionen wählten nun die Sopranistin María Cristina Kiehr und der Gitarrist Pablo Márquez fünfzehn Lieder aus und interpretieren jedes von Ihnen sehr individuell und ergreifend. Zunächst hat man ein bisschen den Eindruck mittelalterlicher Lautenmusik zu lauschen, doch sehr schnell erkennt man den typischen Duktus der Schubertlieder. Und da die Gitarrenbegleitung überraschend gut dazu passt, könnte man Franz Schubert fast als den Urvater der österreichischen Liedermacher bezeichnen.

Und wenn man im Folgenden dann auch noch die Ausgabe der Winterreise (2011, Christophorus) mit dem Tenor Christoph Prégardien und Tilman Hoppstock an der Gitarre anhört, überlegt man für einen kurzen Moment ob man dieses Werk vielleicht nur noch mit dieser Instrumentalbegleitung hören möchte …

Diesmal geht es darum, ein Auge auf zwei Bücher zu werfen, die diesen Sommer ihren Weg zu mir gefunden und mich mit großem Staunen zurückgelassen haben. Beide sind auf Französisch, aber wenn man die Sprache ein wenig beherrscht, sind sie ganz gut zu verstehen.

Das erste Buch handelt von „Don Cherry – Le petit prince du free“ (Le mot et le reste), der selbst nie aufgehört hat zu staunen, dadurch an vielen Entwicklungen in der Jazzmusik mitgewirkt hat und auch anderen Stilen gegenüber sehr offen war (1) (2). Der Autor Nicolas Fily beschreibt chronologisch alle (bislang bekannten) Alben, an denen der Musiker beteiligt war und fügt dabei biografische Informationen hinzu. Und selbst wenn man glaubt, Cherry bereits zu kennen, verbirgt sich hinter fast jeder neuen Seite eine neue Überraschung.

Ähnliches gilt für Guy le Querrecs Fotobuch über „Michel Portal – Au fur et à mesure“ (Les Éditions de Juillet). Guy le Querrec, passionierter Jazz-Fan und Magnum-Fotograf, der das Jazzgeschehen in Frankreich seit vielen Jahren begleitet, hat für diese Publikation Fotos ausgewählt auf denen der Klarinettisten Michel Portal – allein und im Kreise zahlreicher Kollegen – (3) in der Zeit zwischen 1964 und 2011 zu sehen ist.

Das liest sich wie die Geschichte des französischen Jazz, in der auch immer wieder große amerikanische Namen auftauchen. Und auch der Begleittext von Jean Rochard erzählt von immer wieder ungeahnten Konstellationen, die Frankreich ab den 1960er Jahren zu einem Drehkreuz der improvisierten Musik machten.

Die poetische und kompositorische Qualität von Le Querrecs Bildern ist so hoch, dass man auch hier aus dem Staunen nicht herauskommt. (Eine Eigenschaft, von der leider heutzutage viel zu wenig Gebrauch gemacht wird). 

Übrigens:
Anfang dieses Jahres wurde eine 45 Jahre alte Live-Aufnahme „Roundtrip“ (1977, Transversales) gefunden und veröffentlicht, auf der Don Cherry und Michel Portal mit dem Pionier der elektroakustischen Musik Jean Schwarz (und Jean-François Jenny-Clark und Naná Vasconcelos) gemeinsam musizieren. Eine Mischung aus spirituellem Jazz und elektronischen Klängen, die keinen Zweifel an der Spielwütigkeit und Klasse dieser beiden Freigeister lässt …

Uzeste Musical - 46ème Hestejada de las arts
Ein Knotenpunkt an dem Musik, Poesie, Literatur, Theater, Film, Sprache, Malerei, Fotografie, Politik, Diskussion, Improvisation, Installation, Vision aufeinandertreffen und man mit dem Bedürfnis einer engeren Verflechtung all dessen in seinen Alltag zurückkehrt. uzeste.org

Man gebe Ludwig van Beethoven, den portugiesischen Kontrabassisten Carlos Bica - klassisch ausgebildet mit fließenden Übergängen zum Jazz, den mit allen Wassern gewaschenen Saxophonisten Daniel Erdmann, dessen Instrument angenehm rostig klingt, DJ Illvibe alias Vincent von Schlippenbach (seit seiner Kindheit mit Free Jazz geduscht) und einen der renommiertesten Akkordeonisten Europas, João Barradas, mit einer Welle über dem a, in eine Waschmaschine.

In das Waschmittelfach kommen ein bisschen Tom Waits und Tex Avery, dann wird gewaschen und gut geschleudert, und heraus kommt dieses Album „Playing with Beethoven“ von grandiosem Einfallsreichtum. Extrem verspielt, sehr schräg, aber immer auf hohem musikalischem Niveau. Und spätestens wenn die Turntables die Mondscheinsonate zerhackstückeln, muss der eingefleischte Beethoven-Fan ganz stark bleiben ….

Was ein Album nicht ersetzen kann:

Sehen wie die Musiker untereinander agieren, mit Blicken und Gesten kommunizieren, ausschweifend improvisieren, sich gegenseitig wertschätzend zuhören, kleine Ansagen machen, Anekdoten erzählen …

Sich als Zuhörer im Taumel der Musik verlieren, einzigartige Momente einfangen, Stimmungen aufnehmen, Eindrücke kurz mit dem Nachbarn austauschen, applaudieren, eine Zugabe erarbeiten und den Moment erspüren wenn das Konzert zu Ende ist.

Dann im Anschluss mit alten und neuen Bekannten (und einem Glas Wein) den Abend resümierend und diskutierend ausklingen lassen.

Micah Thomas (Piano), Matt Brewer (Bass), Immanuel Wilkins (Saxofon) und Kweku Sumbry (Schlagzeug) in der Münchener Unterfahrt am 16. Juli 2023

Gerald Clayton (Piano), Gregory Tardy (Saxofon, Klarinette), Bill Frisell (Gitarre) und Jonathan Blake (Schlagzeug) im Bürgerhaus Unterföhring am 14. Juli 2023

Trotzdem anhören:
Bill Frisell – Four – Blue Note, 2022
> subtiles Ensemblespiel zwischen Blues und Kammermusik
Immanuel Wilkins – The 7th Hand – Blue Note, 2022
> um den Musikernachwuchs muss man sich keine Sorgen machen …

Vom 9. bis zum 11. Mai 1977 fuhren Peter Brötzmann und Han Bennink (*1942) jeden Morgen tief hinein in den Schwarzwald. In einem schwarzen Lieferwagen transportierten sie verschiedene Klarinetten und Saxofone, Vogelpfeifen, eine Bratsche, ein Banjo, Becken und ein tragbares Aufnahmegerät. Dies alles bauten sie an immer wieder anderen Stellen auf und spielten (!). Aus dieser Aktion entstand das Album „Schwarzwaldfahrt“ (FMP):

Die Aufnahme beginnt mit einem Dialog der mitgebrachten Blasinstrumente der entfernt an Prokovievs „Peter und der Wolf“ erinnert. Doch im Laufe der Zeit nutzen sie mehr und mehr die von der Natur gebotenen Klangmöglichkeiten. Während Brötzmanns Klarinettentöne noch wie Insekten umherschwirren, geht Han Bennink, der ohne sein Schlagzeug anreiste, dazu über Baumstämme, Steine, den Lieferwagen zu betrommeln. Daraus entwickelt sich ein Rhythmus der dem ritueller Stammestänze alter Naturvölker nahe kommt. Immer wieder pfeift der kalte Wind durch die Mikrofone.

Vogelpfeifen trällern Duette mit ihren Vorbildern, einem vorbeifliegenden Düsenflugzeug wird wild hinterher gepfiffen. Irgendwann gelangen die beiden Musiker an einen See und während die Klarinette noch versucht, die Melodie des Wassers zu imitieren, taucht bereits ein zweites Blasinstrument in den Fluss ein und kurz darauf blubbern beide Instrumente einen fröhlichen Reigen unter der Wasseroberfläche.

Ab und zu schleichen sich kleine Bluesmelodien ein, Jazz-Splitter fliegen durch den Raum – die Saiteninstrumente kommen zum Einsatz und das Spiel mit der Natur wird immer überschwänglicher, während gleichzeitig die Batterie des Aufnahmegeräts langsam leiernd zur Neige geht.

Im Hintergrund erinnert noch das Geräusch einer Motorsäge an Zivilisation … dann wird es still. Steine werden wie hüpfende Noten in das rauschende Wasser geworfen und die Aufnahme endet mit wildem Plantschen. So findet die Musik ganz allmählich zu ihren Ursprüngen, den reinen Geräuschen der Natur, zurück. 

Dieses Album (von dem es noch aus dem Jahr 2005 eine Version mit weiteren bisher unveröffentlichten Titeln gibt) enthält viel von dem, was Peter Brötzmanns (und auch Han Benninks) Schaffen ausmachte: völlige Freiheit in der Improvisation, das oft spielerische Experimentieren mit Materialien und Klängen, die Liebe zur Natur, das Suchen nach archaischen Formen. Daher ist es ein guter Einstieg, um auch seine anderen Werke besser zu verstehen. Seit 2022 ist der Aufnahme ein Fotobuch beigefügt, das mit Bildern einen Eindruck dieser Entdeckungsreise gibt (Wolke Verlag).

So wie Peter Brötzmann leidenschaftlich Musiker war, arbeitete er auch als Maler und Grafiker und beherrschte es aufs schönste diese verschiedenen Genres miteinander zu verbinden. Dieses Album und zahlreiche andere Tonaufnahmen und Werke seines bildnerischen Schaffens werden nun dabei helfen, die Lücke, die sein Tod verursacht hat, immer wieder zu füllen.

Gegen Ende der 1980er Jahre zog ECM bei mir ein. Dunkelgrüne/graue Albumcover mit einzelnen großen farbigen Wörtern (ARBOS, PASSIO, miserere) und kleinem weißen Text – eine weiße Hülle mit hellgrauem Quadrat – die geheimnisvolle sakrale Musik des estnischen Komponisten Arvo Pärt. Damals ahnte ich nicht, dass mich die Musik und die Ästhetik dieses Labels bis heute begleiten und prägen würden …

Manfred Eicher, der dieses Label vor 54 Jahren gegründet hat, wird heute 80 und ich bin ihm unendlich dankbar für sein konsequentes Hochhalten und Vermitteln einer Kultur, die immer mehr vom Verschwinden bedroht ist.

P.S. Erst viele Jahre später habe ich realisiert, dass das weiße Album mit dem grauen Quadrat (Tabula rasa) meine erste Begegnung mit Keith Jarrett war. 

Seit etwa zehn Jahren veranstaltet Hélène Dumez in ihrer Wohnung in der Rue Paradis in Marseille Privatkonzerte. Um die intime Atmosphäre dieser Konzerte einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, hat sie nun 14 Pianisten eingeladen, auf ihrem Steinway B-Flügel jeweils ein Soloalbum aufzunehmen. Den zwischen 1945 und 1993 geborenen Pianisten wurde absolut freie Hand gelassen, lediglich die Aufnahmebedingungen im Wohnzimmer waren immer ähnlich. Das Ergebnis sind Momente höchster Konzentration und Anmut: improvisieren, erinnern, zitieren, summen, pfeifen, hier und da kommt eine Gesangsstimme hinzu oder auch nur zufällige Geräusche im Hintergrund wie Vogelgesang durch die geöffneten Fenster. Diese Aufnahmen erscheinen auf dem eigens für diesen Zweck gegründeten Label „Paradis Improvisé“ und werden seit Herbst 2022 paarweise alle zwei Monate veröffentlicht. Zuletzt waren zwei feine Wunderwerke von Bojan Z (*1968) und Yonathan Avishai (*1977) an der Reihe (> NEUES). Auf der Website des Labels finden sich ausführliche Informationen und Videos zu diesem außergewöhnlichen Projekt: www.paradis-improvise.com

Vor kurzen wehte es mir das Buch „Warum Jazz?: 111 gute Gründe“ des amerikanischen Musikkritikers Kevin Whitehead (2014, Reclam) ins Haus. Darin werden gut die Zusammenhänge beschrieben, woher der Jazz stammt, welche Entwicklungen er durchgemacht hat und in welche Strömungen er sich aufteilt. Es geht nicht sehr tief ins Detail, die europäischen Strömungen sind eher kurz angerissen, der französische Jazz ganz weggelassen (für den braucht es eigentlich sowieso mal ein eigenes Werk), aber man bekommt einen sehr guten Überblick über die Definition von Jazz.
Immer wieder eingestreute Hörhinweise führen nebenbei zu manch neuer Entdeckung: zum Beispiel zu einem Album von Billie Holiday, neugierig gemacht durch den Satz: „Es heißt oft, wer ihre frühen Aufnahmen gerne höre, sei unreif, während diejenigen, die die Aufnahmen ihrer letzten Periode am beeindruckendsten finden, oft bezichtigt werden, einen Hang zum Makaberen zu frönen.“  
Da mich vor allem letzteres interessiert gibt es nun einen neuen Eintrag unter > stimmen.

München hat den Ruf teuer, sauber und schnöselig zu sein. Dass es hier eine ganz hervorragende Subkultur gibt, wissen nur wenige. Und die treibt im Untergrund immer wieder sehr aufregende Blüten: Im letzten Jahr erschien das Album „What are people for?“ (2022, Alien Transistor) das aus einem Vokal-Tanz-Performance-Projekt der Künstlerin Anna McCarthy und der Musikerin Manu Rzytki entstand. Dieses erfahrene Team stellt hier Seh- und Hörgewohneiten mit schwarzem Humor, starken Texten und formvollendeten Musikarrangements völlig auf den Kopf. Das ist schräg, verspielt und hat viel Power! Am Schlagzeug sitzt dabei Tom Wu, der trommelnd, singend und komponierend soeben mit sehr ähnlicher Personalunterstützung  sein neues Album „Tom Wu is Dead“ (2023, Echokammer) herausgebracht hat. Entgegen der der durchaus diskussionswürdigen Plattenpromo ist dieser nach wie vor sehr lebendig und legt hier ein (drittes) vielschichtiges Werk musikalischer Wertarbeit vor, das Elemente des Glamrock mit energiegeladener Elektronik mischt und auch gerne mal Orffsches Schlagwerk verwendet.
Alles in allem ein Wunderland das es verdient hat jenseits des Untergrunds entdeckt zu werden. Auch live!

“(He) knocked me out with his concept of space, his lightness of touch, his understatement, and the way he phrases notes and chords and passages.” (Miles Davis)

1958, Argo

Ahmad Jamal: Piano
Israel Crosby: Bass
Vernell Fournier: Schlagzeug

1970, Impulse

Ahmad Jamal: Piano
Jamil Nasser: Bass
Frank Gant: Schlagzeug

2015, Jazz Village

Ahmad Jamal: Piano
Reginald Veal: Bass
Herlin Riley: Schlagzeug
Manolo Badrena: Percussion

2017, Jazz Village

Ahmad Jamal: Piano
James Cammack: Bass
Herlin Riley: Schlagzeug
Manolo Badrena: Percussion
Abd Al Malik, Mina Agossi: Stimme

Obwohl John Zorn auf diesen Seiten noch nicht ein einziges Mal erwähnt wurde, reichen die Einflüsse dieses „Multifunktions-Künstlers“ hier ganz weit hinein. Viele der bereits erwähnten Musiker gingen bei seinen Projekten und seinem Label Tzadik ein und aus. Jamie Saft, Dave Douglas, Chris Speed, Tom Cora und und und. Sein Werk und Universum sind so immens, dass es nicht einfach ist darüber zu schreiben. Im September wird er 70 Jahre alt – vielleicht ein Grund, um diese Herkulesaufgabe bis dahin anzugehen. 

Einstweilen wirft man am Besten sehr viele Ohren auf sein neues Album mit dem New Masada Quartet. Die Besetzung ist edel, das Ergebnis aufregend schön und zeigt wieder einmal, wie wunderbar Zorn seine jüdische Wurzeln in seine raffinierten Kompositionen einfließen lässt.

New Masada Quartet Vol. 2
2023, Tzadik

John Zorn: Altsaxophon, Covercollage
Jorge Roeder: Bass
Julian Lage: Gitarre
Kenny Wollesen: Schlagzeug

Simon-Pierre Bestion ist jemand der mit seinem Ensemble „La Tempête“ Werke der Alten Musik in außergewöhnliche Richtungen führt, die überraschend aber immer sehr plausibel sind. So auch dieses Auferstehungsoratorium „Larmes de résurrection“ in der er freimütig das Chorwerk von Heinrich Schütz (1585-1672) die „Auferstehungshistorie“ (voller Titel: Historia der fröhlichen und siegreichen Auferstehung unseres einigen Erlösers und Seligmachers Jesu Christi) mit dem geistlichen Madrigal „Israels Brünnlein“ von Johann Hermann Schein (1586-1630) im Wechsel kombiniert. Eine Art Verbindungsglied bildet der Gesang des Libanesen George Abdullah der die Rolle des Evangelisten lautmalerisch auf deutsch singt, was dieser Erzählung eine orientalische Anmutung gibt, die dem Ort des Geschehens dieser Auferstehungsgeschichte entspricht.
Ich denke man muss nicht unbedingt religiös sein, aber schon ein wenig abenteuerlustig, um dem Zauber dieser ungewöhnlichen Aufnahme zu erlegen, die diesen alten poetischen Texten der Ostergeschichte musikalisch etwas faszinierend Schwebendes verleiht.

Larmes de Résurrection
La Tempête
Simon-Pierre Bestion, Leitung
2018, alpha

Es geht bald weiter.
Bis dahin: Eine Auswahl an guter „Silence“.

Die Namen vieler großartiger Musiker beginnen mit einem B! So wie auch der der Beatles. Und diese wurden zum wiederholten Mal gecovert, diesmal von einem gewissen Brad (Mehldau). Der rauscht auf seinem neuen Album „Your Mother Should Know“ (2023, Nonesuch) allein am Klavier wie eine frische Brise durch ein weniger bekanntes Beatles-Repertoire. Mal ein leichter Hauch von Walzerklängen, mal ein fegender Boogie, meine liebste McCartney-Melodie „For No One“ ist auch dabei. So luftig und schwebend – ein bisschen als hätte man geschlagenen Eischnee (und noch ein paar Zutaten mehr) untergehoben – wurden diese Songs selten interpretiert. Das klingt dann beinahe schon wie ein klassisches Klavierkonzert, denn wenn man jemanden aus der Rock- und Popwelt mit Bach und Beethoven auf eine Stufe stellen möchte, wäre diese Band aus Liverpool ein gute Wahl. Am Ende dieser (Live-)Aufnahme aus der Pariser Philharmonie weht es einen dann noch mit einem anderen B in Richtung Weltraum. Mit David Bowies „Life on Mars?“, in dessen Songtext John Lennon sogar erwähnt wird.

Dies ist bereits das dritte vorgestellte Album auf diesen Seiten, das sich (fast) komplett mit Beatles-Werken beschäftigt – neben Mike Westbrooks „Abbey Road“-Reminiszenz (Blogeintrag vom 9.4.2021) und der Übertragung des „White Albums“ kurz nach seinem Erscheinen durch Ramsey Lewis in dessen musikalisches Universum (Blogeintrag vom 15.4.2021).

Natürlich gibt es zahlreiche Beispiele einzelner hervorragend gecoverter Songs, aber (gute) in Gänze Beatles-Kompositionen gewidmete Alben sind überraschenderweise gar nicht so zahlreich.
Ein weiteres schön lässiges Beispiel, auf das ich immer wieder gerne ein Ohr werfe, ist das 2002 in Japan erschienene Album „Across the Univers“ des Walter Lang Trios mit Klavier, Bass und Schlagzeug.

Übrigens: Die slowenische Band Laibach hat sich 1988 das letzte Beatles-Album „Let It Be“ (Mute) komplett einverlaibt (!). Ein durchaus amüsantes Unterfangen, wenn man eine gewisse Sympathie für dieses seit 1984 existierende Künstlerkollektiv hegt.

Le Cri du Caire – vor etwa einem Jahr habe ich Konzertausschnitte dieser Formation im Netz gefunden und wartete seitdem ungeduldig auf diese Aufnahme die nun endlich erschienen ist:

Im Mittelpunkt steht der ägyptische Dichter, Sänger und Freiheitskämpfer Abdullah Miniawy, der 2017 des Landes verwiesen wurde und seitdem europaweit in verschiedenen Konstellationen arbeitet. An seiner Seite stehen der deutsche Cellist Karsten Hochapfel, der sich immer wieder in interessanten Projekten bemerkbar macht, der vielseitige englische Saxophonist Peter Corser und als Gast der Schweizer Trompeter Erik Truffaz, seit langem eine feste Größe im französischen Jazz.

Aufgenommen in der Zisterzienserabtei Noirlac im Herzen Frankreichs vermischt sich hier Sakrales mit Sufismus, Barock und Improvisation. Gleich einem Muezzin rezitiert Miniawy eindringlich seine Texte, Saxofon und Cello führen rhythmisierend in tranceähnliche Zustände und über all dem schweben luftig die Trompetentöne. Es dürfte schwer werden sich von dieser Musik nicht verführen zu lassen.

Eine Übersetzung der arabischen Texte ins Französische findet sich übrigens hier.

2013 erschien ein Album, das meine Hörgewohnheiten beim Jazz gehörig durchrüttelte: zwei Schlagzeuger, die mächtig einheizten, ein Saxophon, das lyrische, energiegeladene Melodien hinzufügte und schließlich eine Tuba, die das alles verband und durchdrang. Die britische Band mit diesem ungewöhnlichen Instrumentarium waren die Sons of Kemet, das Album hieß „Burn“ (> quartett) und brannte afroamerikanisch und karibisch geprägt, durch Elektronik unterstützt, eine neue Markierung in die Geschichte des Jazz. Ebenso wie die drei darauffolgenden Alben. Da alle Mitglieder der Band mittlerweile intensiv in andere Projekte eingebunden sind, wurde die Formation im letzten Jahr aufgelöst.

Sebastian (Seb) Rochford, einer der beiden Schlagzeuger (bis 2019), der an seinem üppigen Haarschopf zu erkennen war, hat nun - mittlerweile kahl - ein Duo-Album mit dem Pianisten Kit Downes veröffentlicht. „A Short Diary“ (ECM) enthält Kompositionen, die Rochford kurz nach dem Tod seines Vaters, dem schottischen Dichter Gerard Rochford, im Jahr 2019 schrieb, um diesen Verlust zu verarbeiten.

Heraus kam eine Musik, die allerdings in eine völlig andere Kategorie, als der vehemente Sound der Sons of Kemet fällt.

Das Album beginnt mit dem packenden Titel „This Tune Your Ear Will Never Hear“ und klingt ungefähr so, als würden die beiden Musiker die Begleitung zu einer nicht vorhandenen Melodie spielen.

Was folgt, ist weiterhin meist von extremer Ruhe getragen und musikalisch nicht weit von Eric Saties „Gnossiennes“ entfernt: andächtige Klavierlinien, das Schlagzeug, im Hintergrund oft kaum hörbar, beziehungsweise in enger, spannender Verschmelzung mit dem Klavier, alles ganz zart, ohne in Sentimentalität abzudriften. Das Album endet mit einer Weise, die Rochfords Vater selbst komponiert und seinem Sohn per Telefon übermittelt hatte. Es lohnt sich übrigens das Album über Kopfhörer anzuhören, um keine der minimalen Schlagzeugberührung zu verpassen. 



Im Jahr 1973 gab Frank Zappa während eines Konzerts den Satz „Jazz is not dead, it just smells funny“ zum Besten. 

Nun ja, 50 Jahre später ist der Jazz immer noch quicklebendig und nimmt nach wie vor neue faszinierende Duftnoten an. Ich gebe zu es gibt Spielarten des Jazz, die riechen tatsächlich ein bisschen komisch, aber mit gutem Willen und Hörerfahrung wären auch diese mit der Zeit sehr wohl zu ertragen. Darüber hinaus gibt es genug Jazz, der sehr gut riecht und sogar richtig duftet. Dies versuche ich hier nunmehr seit bereits zwei Jahren auf dieser Seite zu vermitteln. Vielleicht hat zu dieser Gelegenheit der eine oder die andere Lust, mir mitzuteilen ob er/sie hier ein paar feine Gerüche gefunden hat?

Wer allerdings tatsächlich seit fast 30 Jahren tot ist, ist Frank Zappa. Sein Vermächtnis ist jedoch nach wie vor hörenswert, obwohl ich die meisten seiner Albumcover abschreckend scheußlich finde. Das rein instrumentale Album „Hot Rats“ von 1969 wäre ein „weicher“ Einstieg, meine Favoriten sind das space-rockige „One Size Fits All“ (1975) oder das cabaretartige „Absolutely Free“ (1967). Oder man beginnt gleich seinem Opus Magnum der zweistündigen Zappa and the Mothers of Invention-Volldröhnung „Uncle Meat“ (1969)!

Da Zappas musikalisch-grenzenlose Denkweise dem Jazz sehr verwandt ist, sollte man sein eingangs erwähntes Zitat nicht allzu ernst nehmen. Eines seiner Live-Alben trägt übrigens den Titel „Does Humor Belong in Music?“ Bei Frank Zappas Werk ist die Antwort eindeutig, ansonsten ist das ein gutes Thema für einen weiteren Blogeintrag …

Das neue Jahr begann ganz hervorragend mit einer „Geschichtsstunde“ des Pianisten Jason Moran über den Komponisten und Bandleader James Reese Europe (1881–1919). Europe schuf Anfang des 20. Jahrhunderts wichtige Grundlagen um afroamerikanischen Musikern Auftrittsmöglichkeiten zu geben und leitete bis zu 150 Musiker starke Orchester, die Konzerte und auf Tanzveranstaltungen spielten. Ragtime, Blues, Dixieland – Musik die zum Wegbereiter des Jazz wurde. Während des 1. Weltkriegs war Europe in Frankreich als Leutnant stationiert und tourte dort sehr erfolgreich mit der Regimentsband „The Hellfighters Band“ und installierte damit diese neue Musik auch in Europa. Bei ihrer Rückkehr in den USA führte diese nur aus afroamerikanischen Musikern bestehende „Hellfighters Band“ die große Siegesparade in New York an.

„From the Dancehall to the Battlefield“ heißt folgerichtig das Album auf dem Moran sein seit langem bewährtes Trio „The Bandwagon“ mit weiteren sieben Bläsern aufspielen lässt. Die Aufnahme beginnt mit einer Voiceover-Einführung in das Thema, dann folgt ein Amalgam aus alten (vor allem von J.R. Europe und W.C. Handys, dem „Vater des Blues“) und neuen Kompositionen, bei denen die Grenzen zwischen dem Beginn des 20. und dem des 21. Jahrhunderts gerne verwischen. Ragtimes und Blues, mit auffallend hoher Geschmeidigkeit intoniert, gehen oft in nachdenkliche Meditationen über. Einer der Höhepunkte der Aufnahme ist „Flee as a bird to your mountain“ ein Stück, das gespielt wurde, wenn ein Kamerad nicht mehr von Schlachtfeld zurückkehrte und das hier in die beschwörenden Formeln der Albert Ayler-Hymne „Ghost“ hinübergleitet. Das Album schließt in ausgelassener Stimmung mit „For James“ einer Collage aus aktuellen Liveaufnahmen, auch mit Gesang, um zu zeigen dass dieses musikalische Erbe immer weiter wirkt.

Das Ende von James Reese Europe war leider weniger schön. Er wurde 1919 von einem seiner beiden Schlagzeuger, der mit dessen strengen Führungsstil nicht einverstanden war, bei einem Streit mit einem Taschenmesser erstochen. „Am Tag darauf wurde die Nachricht im ganzen Land verbreitet und die Stadt New York veranstaltete eine Parade und ein öffentliches Begräbnis, das erste, das jemals einem Afroamerikaner zuteil wurde.“

Das Album ist am 1. Januar bei bandcamp erschienen (zunächst ausschließlich digital erhältlich) und neben James Reese Europe dem Pianisten Randy Weston gewidmet, der Moran vor einigen Jahren zu sich nach Hause zitierte und ihm eine 5-Stunden-Geschichtsstunde eröffnete mit dem Satz: „You need to know about James Reese Europe …“.

Quellen:
über James Reese Europe
über das Album und seine Entstehungsgeschichte

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Mit Carla Bley liegt man eigentlich immer richtig, auch zu Weihnachten.

Hinreissende Arrangements bekannter und weniger bekannter Weihnachtslieder mit Carla Bley am Klavier, Steve Swallow am Bass und The Partyka Brass Quintet. Absolut kitsch- und klischeefrei und doch sehr feierlich. Ansonsten: „Keine Experimente zu Weihnachten“ (Blogeintrag vom 21.12.2021)

Carla’s Christmas Carols (ECM, 2009)
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In diesem Jahr gab es vor allem drei Alben, die mich immer wieder in ihren Bann gezogen haben und dies auch noch weiterhin tun:

1 ― Tyshawn Sorey Trio, „Mesmerism“
 „Smart musicians understand their roots, but aren’t afraid to grow beyond them.“ schrieb der renommierte Jazzkritiker Kevin Whitehead in den Liner Notes zu Tom Coras „Gumption in Limbo“ (siehe Blogeintrag vom 23.11.22). Tyshawn Sorey, ein Komponist und Schlagzeuger, der bisher eher im Kontext von Avantgarde und neuer Musik aufgetreten ist, hat sich nun diese Wurzeln zusammen mit dem Pianisten Aaron Diehl und dem Bassisten Matt Brewer sehr genau vorgenommen. Mit Stücken von Horace Silver, Duke Ellington oder dem Klassiker „Autumn Leaves“ eröffnen die drei Musiker große weite Räume, in denen jeder von ihnen genau den richtigen Platz einnimmt. Die perlenden Läufe des Pianisten sind so leicht, als ob die Klaviertasten sich jeglichem Widerstand ergeben hätten, der Bass swingt locker in alle Richtungen und darunter legt Sorey kongenial sein feingliedrig flirrendes Schlagzeugspiel. Dabei entsteht eine Musik die bei jedem erneuten Hören weitere Details ans Licht bringt, ausgiebig reflektiert und gleichzeitig ganz gegenwärtig ist. Eine Besonderheit dieser Aufnahme ist auch, dass sie, ohne viel zu proben direkt eingespielt wurde, was die ganz besondere Klasse dieser Musiker noch verdeutlicht. Das Album war zunächst nur über die Plattform bandcamp erhältlich, wodurch es lange ein absoluter Geheimtipp war.

2 ― Keith Jarrett, „Bordeaux Concert“ 
Keith Jarrett ist mir ein alter, am Klavier manchmal etwas unruhiger, aber sehr sensibler „Freund“, der mir in den letzten Jahren viel Freude bereitet hat. Mit diesem Konzert hat er mich allerdings wie nie zuvor überrascht. Ungewöhnlich kleine Einheiten, die sich immer wieder gegenseitig verspinnen und ein buntes Panorama quer durch Jarretts Werk erschaffen. Immer wieder intensive Melodien, nachdenkliche Läufe und ein Tastenanschlag der mit diesem Konzert an Schönheit kaum zu überbieten ist. (siehe auch Blogeintrag vom 4.10.22) 

3 ― Kham Meslien, „Fantômes… Futurs“
Kham Meslien, lange Jahre Bassist einer französischen Folk-Rock-Chanson-Band und gelegentlich Begleitmusiker von Größen wie Archie Shepp oder Robert Wyatt, wurde von einem Festivalleiter aufgefordert ein Soloprojekt zu erwägen. Ein weiser Vorschlag, denn die Musik, die dabei herauskam, hat eine schamanische Energie, der man sich kaum entziehen kann. Sie strotzt von rhythmischer Kraft und getragener Weite und wenn der Spoken-Word-Poet Anthony Joseph bei einem der Stücke seinen Text vorträgt tritt der Kontrabass einen Schritt zurück und unterstreicht eindrücklich die Macht der Worte.

Vor kurzem habe ich ein Konzert des Saxofonisten Stan Getz aus dem Jahr 1977 entdeckt: „Live at Montmartre“ (Steepl Case). Das Konzert fand nicht in Paris, sondern in einem Kopenhagener Jazzclub gleichen Namens statt. An Getz’ Seite spielte der dänische Bassist Niels-Henning Ørsted-Pedersen (bei dem sich meine Ohren automatisch aufstellen, sobald der Name fällt), Billy Hart am Schlagzeug und - Huch! - eine Frau an Klavier und Rhodes:

Joanne Brackeen (*1938), die bereits in den 50er Jahren in der Männer-dominierten Jazzszene einen festen Platz eingenommen hatte und als erste und einzige Frau Mitglied der Art Blakey Jazz Messengers war, einer wichtigen Talentschmiede des amerikanischen Jazz. Nachdem sie neben ihrer musikalischen Tätigkeit vier Kinder großgezogen hatte begann sie erst spät eigene Formationen zu gründen und in der Lehre an renommierten Musikhochschulen zu arbeiten. Ihr Klavierspiel, das sie sich ab dem Alter von 11 Jahren autodidaktisch beigebracht hatte, ist extrem energiegeladen und vielseitig.

Ihr erstes Album unter eigenem Namen „Snooze“ (1975, später als „Six Ate“ neu aufgelegt) ist ein Klaviertrio mit einem hervorragendem Cecil McBee am Bass und wiederum Billy Hart am Schlagzeug, das sich in einer Reihe mit andern großen Jazzklaviertrioaufnahmen durchaus sehen lassen kann. Sehr schön auch eine Duoaufnahme mit dem Bassisten Eddie Gomez „Prism“ (1979), aber eigentlich ist jede Aufnahme mit Joanne Brackeen, die mir bisher untergekommen ist ein Volltreffer. Und dazu zählt natürlich auch das eingangs erwähnte Konzert mit Stan Getz!

Das Cello ist außerhalb der klassischen Musik eher eine Rarität. Gerade im Jazz wechselten daher Cellisten wie Ron Carter oder Dave Holland oft zu seinem großen Bruder, dem Bass. Diejenigen, die an diesem Instrument festhielten sind oft ganz ungewöhnlich neugierige Grenzgänger. Drei Soloalben solcher Freigeister stelle ich hier nun vor:

1 ― Zunächst „By Myself“ des kürzlich verstorbenen Abdul Wadud (1947–2022) aus dem Jahr 1978. Wadud war einer der ersten impulsgebenden Cellisten, die ihr Instrument perkussiv und frei improvisierend nutzten. Neben seiner Tätigkeit in klassischen Orchestern, wandte er sich vermehrt dem aufkeimenden Free Jazz zu. Auf diesem Album (das leider vergriffen ist, hier aber anhörbar) mischt er seinem frei laufenden Spiel Folk-Elemente zu, die das Album zu einem großen Hörvergnügen machen. Der Pianist Ethan Iverson bezeichnet das Album in seinem lesenswerten Blog als „one of the most friendly and listenable of all avant jazz solo recitals on any instrument“.

2 ― Ein weiterer Großmeister am Cello ist Tom Cora (1953–1998) der dem Instrument Töne entlockte von denen man gar nicht wusste, dass es sie dort gibt. Geformt in Karl Bergers “Creative Music Studio“ und der New Yorker Knitting Factory ist Tom Cora ein äußerst interessanter Musiker, auf den ich sicher nochmals zurückkommen werde. Eines seiner wenigen Soloalben ist „Limbo in Gumption“ (1991), das, mit ein wenig elektronischer Unterstützung, auf eine tollkühne Reise durch diverse Musikuniversen führt. Leider ist auch dieses Album vergriffen, taucht aber hin und wieder antiquarisch auf und sollte, wie auch „By Myself“ unbedingt neu aufgelegt werden!

3 ― Vincent Courtois (*1968) ist ein weiterer extrem breit aufgestellter Cellist, der in fast allen Spielarten des Jazz zuhause ist. In der Zeit des Coronalockdowns hat er sich einen lang gehegten Traum (Quelle) erfüllt und das Solo-Cello-Repertoire der klassischen modernen Musik (Ligeti, Hindenmith, etc.) weitläufig erforscht. Daraus entstand das Album „East“ (2022, La Buissonne), das zeigt, dass Neue Musik gar nicht so kompliziert ist wie es viele erwarten und sich hier vielmehr wie eine Brücke von barocker Gambenmusik („Vorfahren“ des Cellos) zu freier zeitgenössischer Improvisation präsentiert.

Esbjörn Svensson
Home.s.
2022, Act

Ungeachtet der Sensation, die das posthume Auffinden dieser Aufnahme mit sich bringt, ist dies das Zeugnis eines Musikers der sich nach jahrelanger, erfolgreicher Trioarbeit, in der Einsamkeit seines Kellers, am Klavier auf die Suche nach neuen Wegen begibt. Dabei erfährt man viel über seinen bisherigen Weg und kann nur erahnen wo die Reise hingegangen wäre. Vielleicht sind es nur Skizzen … auf jeden Fall sind diese intimen gelegentlich leise von Svenssons Summen begleiteten Aufnahmen extrem bewegend.

Fieses Fiepen, Rauschen, in das sich leise der Ton eines Flügelhorns schleicht und plötzlich abrupt: Stille

Was folgt ist ganz großes Theater:
Die Akteure sind die Instrumente – Klarinette, Klavier, Trompete, Flügelhorn, Cello, Schlagzeug, Sounderzeuger – allein, zu zweit, mehr – von den Musikern in immer neuen Dialog gebracht. Gesang einer männlichen Altstimme über Texte aus John Miltons „Paradise Lost“ (1667). Die Titel heißen poetisch „evening on, twilight gray“, „moon rising in clouded majesty“, oder „over the dark, silver“. Die Atmosphäre gleicht der eines shakespeareschen Sommernachtstraums. Die Musik ist minimal, ein Tasten zwischen Nichts und Tönen das immer wieder neue Bilder erzeugt. Dieses Album ist die erste Komposition des französischen Schlagzeugers und Perkussionisten Didier Lasserre (*1972) – eine aufregende Klangreise, die bei voller Aufmerksamkeit, immer wieder zum Staunen bringt.

Didier Lasserre
Silence was pleased
Ayler Records, 2022

In diesem Jahr sind zwei faszinierende Musikwerke erschienen die sich mit Werken der bildenden Kunst beschäftigen: „For the Love of Fire and Water“ (Rogueart) von Myra Melford, die Cy Twomblys gleichnamiges Werk, auch Gaeta-Zyklus genannt (Sammlung Brandhorst, München), aus dem Jahr 1981 zur Inspiration genommen hat und „Secular Psalms“ (Greenleave music) von Dave Douglas, ein Auftragswerk zum 600-jährigen Jubiläum des Genter Altars, ein Flügelaltar der von Jan van Eyck erschaffen wurde.

Die Kunst Cy Twomblys (1928-2011) und die Musik Myra Melfords (*1957) haben gemeinsam, dass sie in ihrer Abstraktion zunächst irritieren und je länger man sich damit beschäftigt, mit den Hintergründen oder einfach nur durch sehen bzw. hören tritt aus der Abstraktion – sobald man sie akzeptiert – nach und nach eine Ästhetik zutage, aus der spannende Form-, Ton- und Farbexplosionen entstehen. Für „For the Love of Fire and Water“ hat sich die Pianistin sehr indivduelle und starke Musikerinnen mit ins Boot geholt: Mary Halvorson an der Gitarre, Ingrid Laubrock am Saxophone, Tomeka Reid am Cello und Susie Ibarra am Schlagzeug.

Wie Myra Medford hat auch der Trompeter Dave Douglas (*1963) für seine Produktion der „Secular Psalms“ ein Ensemble aus jungen amerikanischen und europäischen Musikern zusammengestellt. Die Cellistin Tomeka Reid ist auch hier dabei, die Pianistin Marta Warelis, Berlinde Deman spielt Serpent und Tuba und singt, der Gitarrist Frederick Leroux und am Schlagzeug Lander Gyselinck. Instrumente des Spätmittelalters wie Laute und Serpent kommen ebenso zum Einsatz wie E-Gitarre, Elektronik und Pferdegewieher. Die Kombination religiöser Mystik des 15. Jahrhunderts mit Zeitgenössischem ergibt hier eine tatsächlich neu- und eigenartige Musik deren Detailreichtum der Malerei Jan van Eycks (um 1390–1441) durchaus ebenbürtig ist. Schwer zu fassen, aber vielleicht gerade deshalb auch extrem fesselnd.

Obwohl mir Keith Jarretts Musik seit Jahrzehnten regelmäßig den Boden unter den Füßen wegzieht, hatte ich nie das Bedürfnis der „Heiligen Messe“ seiner Solokonzerte vor Ort beizuwohnen. Mir reicht es, wenn ich auf dem Sofa liege und er im CD-Player liegt und spielt oder – noch besser – bei nächtlichen Autobahnfahrten aus dem Lautsprecher klingt. Zwar hat man letztendlich bei jedem seiner Konzerte, die immer aus dem Moment heraus entstehen, seine Lieblingsstellen aber die Dramaturgie eines Konzerts ist es immer wert als Ganzes entdeckt zu werden.

Nun also das „Bordeaux Concert“ aus dem Jahr 2016, das gerade bei ECM erschienen ist und viel leichter und heller erscheint als die Konzerte in München und Budapest aus demselben Jahr. Die dreizehn relativ kurzen Stücke sind - wie so oft - nummeriert (I – XIII) womit nichts im Voraus andeutet wohin die Reise geht. Und die hat es in sich, denn im Gegensatz zu Jarretts oft endlosen Konzertimprovisationen (in denen man sich immer wieder gerne verliert), zeigt dieses Kaleidoskop der kleineren Einheiten gut die große Breite seines Repertoires: Detailreiche Abstraktion, tastende Übergänge, strahlende Melodien, die einem die Tränen in die Augen treiben, bluesiges, kleine Etüden, Standards und natürlich auch Pathos. Der krönende Abschluss dieser Konzertaufnahme führt in spanische Gefilde und entlässt den Zuhörer sanft in die Stille.

Zum Abschluss dankte der Pianist dem Publikum in der Oper von Bordeaux mit folgenden Worten: „Sie sind buchstäblich ein außergewöhnliches Publikum. Ich danke Ihnen dafür. Und glauben Sie mir, ich sage das nicht jedes Mal“ (Quelle). Wahrscheinlich ist es auch deshalb ein außergewöhnliches Konzert geworden.

In den 90er Jahren veranstaltete ein Münchener Kaufhaus, das neben viel Mode, auch eine sehr passable Tonträgerabteilung beherbergt, eine Konzertreihe namens „Jazz im Beck“. Mein erstes Konzert, an das ich mich dort erinnern kann, fand zwischen zur Seite geschobenen Kleiderständern statt und es konzertierte der Drehleierspieler Valentin Clastrier, begleitet von verschiedenen europäischen Musikern (siehe Bild) mit denen er damals hervorragende Alben wie „Hérésie“ (1992) und „Le bûcher des silences“ (1994) produzierte. Ganz besonders mochte ich das Trioprojekt „Palude“ (1995, Wergo, » trio) zusammen mit dem Saxofon- und Klarinettenspieler Michael Riessler und dem Tamburinspieler Carlo Rizzo.

Die Drehleier (engl. Hurdy Gurdy) ist ein Instrument dessen Ursprünge im Mittelalter liegen und das – grob gesagt – aus Saiten, Tasten und einer Kurbel besteht, die an einem Holzkasten befestigt sind und für ein sehr besonderes Klangspektrum sorgen. Vertiefend dazu empfehle ich den Dokumentarfilm “Im Inneren des Klanges“ über den Drehleierbauer Wolfgang Weichselbaumer, der – unter anderen mit der Unterstützung von Valentin Clastrier (der bis heute zu den wichtigsten Drehleierinterpreten zählt) – entscheidend an der Weiterentwicklung dieses Instrumentes mitarbeitet hat.

Ein weiterer Kunde Weichselbaumers ist Matthias Loibner von dem soeben ein Duoalbum „Still Storm“ (2022, Intakt) mit dem Schweizer Perkussionisten Lucas Niggli erschienen ist. Darauf befinden sich Stücke, die wie vom zarten Hauch japanischer Haikus durchweht sind und für ein entspanntes, anspruchsvolles Hörerlebnis sorgen.

Übrigens: Matthias Loibner hat auch Schuberts Winterreise für Drehleier adaptiert und mit einer Sopranistin 2010 aufgenommen (RaumKlang). Eine weitere interessante Etappe dieses Werks (siehe 30.06.22 und 11.05.21).

Schweigsam und tiefgründig – fast wie eine Vertonung des Gedichtes „Fisches Nachtgesang“ (1887) von Christian Morgenstern: Die „Subaqueous Silence“ (= Unterwasserstille) des Ayumi Tanaka Trios (ECM, 2021), ein weiterer „stiller Knaller“ aus Norwegen. (Blogeintrag von 2. Dezember 2021)

Nachdem das weite Feld des Jazz lange eher eine Männerdomaine war, machen seit einiger Zeit immer mehr Musikerinnen, scheinbar wie selbstverständlich, mit innovativen Projekten auf sich aufmerksam. Soeben sind wieder zwei ungewöhnlich spannende Alben von deutschen Musikerinnen erschienen:

Das ist zum einen „13 Rabbits“ der Leipziger Komponistin und Pianistin Friederike Bernhardt die sich für dieses Projekt Moritz Fasbender nennt. Eine hervorragende Symbiose von Elektronik und aller Arten von Tasteninstrumenten, bei der man sich ein wenig wie unter einem sommerlichen Sternenhimmel fühlt und mit jedem Stück neue faszinierende „Himmelsphänomene“ entdeckt.

Das andere Album nennt sich „Tzivaeri“ und ist ein Werk der deutsch-griechischen Bassistin Athina Kontou, die sich hierfür auf die Erforschung ihrer griechischen Wurzeln begeben hat. Mit ihrem famosen Jazzquartett und zwei Gästen an traditionellen Instrumenten wie Oud, Bouzouki und Lavta werden hier Melodien des griechischen Kulturkreises behutsam, aber sehr energiegeladen auf moderne Weise interpretiert.

» NEUES

Musik als Notwendigkeit, Musik als Lebenselixir. Wenige konnten das so authentisch und intensiv transportieren wie jaimie branch, die seit ihrem neunten Lebensjahr Trompete spielte. Konservatorisch geschult, in Trompeterkreisen geachtet, hat sie nicht nur dem politischen Jazz eine ganz neue Note hinzugefügt – die zugleich roh und elegant sein kann – ohne ihre feste Verwurzelung in ihm zu leugnen.

jaimie branch hinterlässt einige sehr aufregende Aufnahmen – mit feinen Kompositionen und Arrangements und hervorragenden Mitmusikern (Jason Ajemian am Bass, Chad Taylor am Schlagzeug, Tomeka Reid bzw. Lester St. Louis am Cello) – die bereits vor ihrem viel zu frühen Tod einen festen Platz in der Musikgeschichte eingenommen haben:

Fly or Die (2017)
Fly or Die II: bird dogs of paradise (2019)
Fly or Die Live (2021)
Anteloper (Duo mit Jason Nazary):
Pink Dolphins (2022), mit „Earthlings“, das von ihrer sehr schönen Stimme zeugt
alle International Anthem

Zitat aus „Vortrag über etwas“ aus John Cage, „Silence“:

Der 1953 geborene Klarinettist und Saxofonist Louis Sclavis ist seit langem eine feste Größe im europäischen Jazz. Er komponiert u.a. auch für Film, Theater und Tanz, verarbeitet diverse Erfahrungen aus Kunst, Fotografie und von Reisen und stellt immer wieder neue Musikerkonstellationen zusammen, die er zunächst nach menschlichen Aspekten auswählt und daraufhin erst die Musik entwickelt. 

„Eine CD von Louis Sclavis ist immer das Versprechen einer Reise zur Kunst der eindrucksvollen Melodie, zur Erkundung neuer Klanglandschaften und neuer Aromen. Komponierte Musik, improvisierte Musik, Folklore, zeitgenössische Musik, Jazz, Kammermusik, Weltmusik … man spürt die Freude daran, die Genres und Persönlichkeiten zu kombinieren, um daraus glühende Musik zu machen, die, bevor sie im Studio aufgenommen wird, in der Begegnung mit dem Publikum bei Konzerten verfeinert wird.“ (Quelle)

Ja, meine heimliche Liebe gilt den Bassisten, genauer gesagt den Jazz-Kontrabassisten und dies natürlich rein musikalisch. Das Instrument, das oft die Verbindung zwischen Rhythmus- und Melodieinstrument darstellt, aber auch solo heftig in seinen Bann ziehen kann. Gezupft, geklopft, gestrichen – viele Möglichkeiten ein großes Klangspektrum zu erzeugen. Und es ist immer wieder lohnenswert beim Zuhören speziell die Basslinien zu verfolgen.

Im Folgenden nun ein paar Bassisten die ich zu meinen persönlichen Favoriten zähle:

Niels-Henning Ørsted Pedersen (1946–2005), der mit schwindelerregender Virtuosität oft sehr temporeich, alle zehn Finger im Einsatz, seine Basssaiten bearbeitete. 

Charles Mingus und Charlie Haden (1937–2014), die beide auch weitreichenden, kompositorischem Einfluss haben.

Thomas Morgan (*1981), der große Zauberer, der in immer wieder neuen Konstellationen (u.a. mit Craig Taborn, Bill Frisell oder Masabumi Kikuchi) überwältigende Bassakzente setzt.

Die Bassisten des französischen Jazz Jean-Francois Jenny-Clark (1944–1998), der Triogeschichte mit Joachim Kühn und Daniel Humair geschrieben hat, Henri Texier (*1945), der seine Karriere mit drei allein eingespielten Alben begann („Amir“, „Varech“ und „À cordes et à cris“), Bruno Chevillon (*1959), kongenialer Begleiter aller möglichen Projekte, u.a mit Louis Sclavis, Joëlle Léandre (*1951), mit der es unzählige Duoeinspielungen mit sehr unterschiedlichen Musikern gibt und Renaud Garcia-Fons (*1962), der ein fünfsaitiges Instrument spielt und damit meist mediterrane Einflüsse verarbeitet.

Zwei große Meister des Solospiels sind Barre Phillips (*1934), der 1968 wahrscheinlich das erste Jazz-Bass-Soloalbum und 1971 das erste Jazz-Bass-Duo-Album mit Dave Holland aufnahm und Claude Tchamitchian (*1960), der u.a. einen Kontrabass von JF Kenny-Clarke spielt. (>solo)

Diese und noch weitere hervorragende Kontrabassisten, tauchen immer wieder auf diesen Seiten auf und werden es sicher weiterhin auch noch tun.

Übrigens – eine der schönsten Basslinien, die man verfolgen kann, ist die von Gary Peacock (1935-2020) bei „God bless the Child“ mit dem Keith Jarrett Trio auf „Standards, Vol. 1“ (1983, ECM).

Den Blogeintrag über Franz Schuberts Winterreise vom 11. Mai 2021 schloss ich mit dem Gedanken, ob und wie wohl das Werk aus dem Jahr 1827 einer Verarbeitung in Rock/Pop-Gefilden standhält. Diese soeben erschienene Aufnahme (2022, col legno) mit dem (Indie-Rock-) Sänger Oliver Welter und der klassischen Pianistin Clara Frühstück übertrifft nun meine – imaginären – Erwartungen bei Weitem.

Die Texte Wilhelm Müllers sind unverändert, die musikalische Begleitung mit Klavier, Synthesizer und E-Gitarre behutsam bis wagemutig adaptiert. Die erdige Stimme des Sängers, zu der sich manchmal der zarte Gesang der Pianistin gesellt, illustriert die Verzweiflung des Winterreisenden eindrücklich. Ein erstaunlicher Meilenstein in der Rezeption dieses Werks. (> Neues)

Der Beach Boys-Mastermind Brian Wilson wird heute, zwei Tage nach Paul McCartney, achtzig Jahre alt. Aus dem letzten Jahr stammt ein Album „At My Piano“ (2021, Decca) auf dem er eine Auswahl seiner Werke alleine am Klavier eingespielt hat. Dabei wird deutlich, dass seine Songkompositionen, auch ohne die grandiosen Arrangements, ganz auf den Kern reduziert, hervorragend funktionieren. So wie die von Paul McCartney auch.

Einer der Beweggründe diese Seite zu betreiben ist, dass ich enorme Freude daran habe Neues zu erforschen und Zusammenhänge aufzutun (und dies eben auch mitzuteilen). Gerade auf dem Gebiet, das man weitläufig Jazz nennt, ist solches eine spannende Angelegenheit da sich immer wieder über Grenzen hinweg Musiker zu neuen Formen und Kombinationen zusammenfinden.

Dieses Album ist hierfür ein gutes Beispiel: „Autum in Paris“ (1991) eines Trios, das sich aus zwei Japanern (dem Schlagzeuger Masahiko Togashi, der auch mit Don Cherry gespielt hat und dem Pianisten Masahiko Satō, der auch mit Peter Brötzmann gearbeitet hat) und dem französischen Bassisten Jean-François Jenny-Clark (zu ihm bald mehr) zusammensetzt.

Die das Cover zierende Collage ist ein Werk des Schweizer Schlagzeugers Daniel Humair (ein alter Kumpel des Bassisten), der hier zwar nicht mitspielt aber auch als bildender Künstler ziemlich gut ist.

Sehr erinnert hat mich das Ganze an das Album „Sunrise“ des Masabumi Kikuchi Trios (Blogeintrag vom 31. Mai 2021). Beide Aufnahmen zeichnen sich durch Intensität aus, die sich, inklusive ihrer japanischen Einfärbungen, erst mit der Zeit ganz erschließen lässt.  Dass beide Cover den Grundton Gelb haben ist sicher Zufall, vielleicht aber auch nicht …

…  Lou Reed: „The Bells“ (1979, Arista), ein kurioses Album an dem Cherry, der mit Reed befreundet war und hin und wieder mit dessen Band spielte (interessante Quelle), beteiligt war. Höhepunkt der Aufnahme (und auch in Lou Reeds Œuvre) ist das hypnotische Titelstück, bei dem Don Cherrys Trompete konstant im Hintergrund „raunt“. 

… Terry Riley: „Live in Köln February 23, 1975“ eine Aufnahme mit dem Komponisten und Mitbegründer der Minimal Music am Keyboard und Karl Berger (der, grob gesagt, weiträumig die Weltmusik zum Jazz gebracht hat) am Vibraphon. Entstanden am selben Ort und eine Woche nach dem erheblich berühmteren Köln Concert. Rhythmisierter Minimalismus mit beruhigender Wirkung – leider nur noch online zu finden.

… Heiner Goebbels, „Der Mann im Fahrstuhl“ (1988, ECM) – eine beachtliche Musik-Sprach-Toncollage mit Texten von Heiner Müller und weiteren Avantgardemusikern wie Fred Frith und Arto Lindsay.

… Abdullah Ibrahim (Klavier, Flöte, Stimme) und Carlos Ward (Altsaxofon, Percussion, Flöte, Stimme) und Cherry (Trompete, Percussion, Flöte, Stimme): „The Third World-Underground“ (1974, Trio Records, Japan) – eine Konzertaufnahme aus einem Kopenhagener Jazzclub 1972. Ein kleines Juwel, bei dem alle drei Musiker, äußerst ausgelassen, musikalisch begeistern.

… Krzysztof Penderecki: „Actions“ (2002, Intuition) ein Zusammentreffen von Jazz, traditioneller und neuer Musik auf dem Donaueschinger Musiktagen 1971. Das Stück „Actions for Free Jazz Ochestra“ wurde vom polnischen Komponisten für das Festivals und für Cherrys New Eternal Rhythm Orchestra, einem Ensemble mit zukunftsweisenden europäischen Jazzmusikern (Peter Brötzmann, Albert Mangelsdorff, Willem Breuker und viele mehr) komponiert. Für Penderecki blieb es die einzige Jazzkomposition, die 2020 vom Fire! Orchestra unter der Leitung von Mats Gustafsson (Rune) neu eingespielt und interpretiert wurde. Auch sehr hörenswert.

Das Aufeinandertreffen von Musikern aus verschiedenen Kulturkreisen ist oft ein sehr spannendes Ereignis, vor allem wenn aus der Konfrontation verschiedener Musiktraditionen etwas ganz Neues entsteht. Zwei der Musiker aus den „Familienbande“ haben mit jeweils einem indischen Musiker ein Duo-Album aufgenommen bei denen dieser kulturelle Austausch extrem gut funktioniert:

1 ― Ravi Prasad & Pedro Soler (1999, Al Sur) ::: Flamencogitarre trifft auf Flöte, Percussion und Gesang. Diese archaische Reduktion kreiert poetisch Magie die von gemeinsamen Wurzeln (im 16. Jh. gab es enge Handelsbeziehungen zwischen Andalusien und Westindien) und gegenseitiger Neugier erzählt.

2 ― Latif Kahn & Don Cherry „Music/Sangam” (1982, Heavenly Sweetness) ::: Sangam heißt auf Transkrit „Treffpunkt“ und genau dies umschreibt am besten was der Sitarspieler und der Multiinstrumentalist Cherry an Trompete, Keyboard, Flöte, Stimme und Ngoni (ein- bis siebensaitige Binnenspießlaute der Mandinka aus Westafrika) hier in einem Pariser Studio produziert haben:

Ein aufgeschlossenes Weiterentwickeln afrikanischer und indischer Traditionen mit zeitgenössischem Jazz das ein wunderbares Ergebnis hervorbringt.

Übrigens: Der Geigenvirtuose Yehudi Menuhin und der Tablavirtuose Ravi Shankar, die eine langjährige Freundschaft verband, haben drei gemeinsame Alben aufgenommen. „West meets East“ (1966, 1967 und 1976) heißt das Projekt, ist eher indisch geprägt, aber ebenfalls sehr entdeckenswert.

logierte bei mir bis vor etwa einem Jahr in einer „Schublade“. Dann spielte er ein Solokonzert beim Festival in Moers – welches freundlicherweise von Arte übertragen wurde – und das war eine Sensation. Alleine mit der Gitarre, zu Füßen ein paar Loopschalter, servierte er Momente von beeindruckender Intensität – Songs, Improvisationen, ein Gedicht! Und nun erscheint dieses Soloalbum bei ECM (auf das ich seitdem gewartet habe) geziert von einem besonders schönen Cover. Auch hier adelt jeder einzelne Anschlag die Gitarrensaiten, kein weiteres Instrument lenkt vom Purismus der Melodien ab, kurzum eine tief gehende Musik bei der nicht nur Saiten bewegt werden …

Fazit: Immer wieder mal den Inhalt seiner Schubladen überprüfen oder am besten das Schubladendenken ganz sein lassen!

Die Soler-Claus’

Auf Peter und Caspar folgen nun zum Abschluss der „Familienbande“ Pedro und Gaspar. Pedro Soler (*1938) hat sich nach Anfängen mit der Violine bei einem Jazzkonzert in den Klang der Gitarre verliebt und eine Leidenschaft für die technischen und spielerischen Freiheiten des Flamencospiels entwickelt. Hierin ließ er sich von Meistern des Genres in Spanien ausbilden. (Quelle – ein auch optisch sehr schöner Film, 30 min., französisch).

Neben der traditionellen Begleitung von Gesang und Tanz erschloss sich Soler zudem neue Wege als Solist, als Begleiter von Poesierezitationen („Lorca“ mit Germaine Montero, 1968/2017) und mit anderen Musikern wie z. B. dem Bassisten Renaud Garcia-Fons („Suite Andalouse“, 1994).

Das Instrument seines Sohns Gaspar Claus (*1983) ist das Cello, mit dem dieser in vielen verschiedenen Musikgenres, von Klassik bis Elektronik, unterwegs ist. Zum Beispiel im Duo mit dem Elfterklang-Sänger Caspar Clausen („Live at St-Merry“, 2016), mallorquinische Arbeiterlieder interpretierend mit der Sängerin Marion Cousin („Jo Estava Que M’Abrasava“, 2016) oder solo mit seinem 2021 erschienenen Album „Tancade“ auf dem er die Möglichkeiten seines Instruments weitläufig erforscht. Seine ausführliche Webseite lädt dazu ein, sich in seinen zahlreichen Projekten zu verlieren …

Auf beide aufmerksam geworden bin ich über ihre gemeinsamen Alben „Barlande“ (2011) und vor allem „Al Viento“ (2016, beide Infiné), zwei Meisterwerke, bei denen die tiefe Musikalität von Vater und Sohn Flamenco weit über seine Grenzen hinausträgt.

Heute vor hundert Jahren wurde Charles Mingus geboren. Zu diesem Anlass bezieht er nun seinen eigenen Menüpunkt.

Im Zuge eines Arbeitsprojekts über Neue Musik entdeckte ich die finnische Komponistin Kaija Saariaho (1952-2023) und ihr faszinierendes Werk „La Passion de Simone“ (2013, Ondine), ein modernes Oratorium für Sopran, Stimme, Chor, Orchester und Elektronik aus dem Jahr 2006.

Das Libretto hat der französisch-libanesische Schriftsteller Amin Maalouf (*1949) geschrieben, der vor allem für seine Romane zu historischen Themen bekannt ist und zuletzt die sehr interessante Dystrophie „Nos frères inattendus“ (2020, Grasset) geschrieben hat.

Das in 15 „Stationen“ aufgeteilte Werk orientiert sich an den klassischen Kreuzwegen und erzählt vom Leben der französischen Philosophin und Mystikerin Simone Weil (1909–1943), die sich vehement für soziale, gesellschaftliche Gerechtigkeit einsetzte. In ihrem kurzen Leben arbeitete sie u. a. als Philosophielehrerin, in der spanischen und französischen Résistance, in einer Fabrik um die Lebensbedingungen der Arbeiter kennen zu lernen und suchte zuletzt Antworten vermehrt in religiösen Gefilden.

Natürlich ist diese Art der Musik immer ein wenig gewöhnungsbedürftig, aber allein die voluminösen Klangwolken des Orchesters, sind es absolut wert sich dieser außergewöhnlichen Passion anzunähern.

Die Brötzmanns

Als Neubauten-Fan führte einen der Weg in den frühen 1990ern zwangsläufig zu Caspar Brötzmann (*1962). Seine Alben mit dem Caspar Brötzmann Massaker (mit Eduardo Delgado-Lopez am Bass und Danny Arnold Lommen am Schlagzeug) sind für mich bis heute Ausnahmewerke, die mich immer wieder in den Bann ziehen. Vor allem „Koksofen“ (1993) und „Home“ (1995).

Er begann sein Gitarrenspiel auf einem Instrument das Carla Bley im Hause Brötzmann zurückgelassen hatte und stieg bald danach auf E-Gitarre um. Dieser entlockt er gewaltige, brachiale und extreme, zugleich aber auch unglaublich lyrische und nuancierte Töne, von denen eine beispiellose Energie ausgeht und kombiniert sie mit beschwörender Sprachperformance. HIER gibt es eine sehr schöne Filmcollage, in der der Musiker sein Werk reflektiert. Seine melodiöseste Platte ist „Mute Massaker“ (2000, alle Rough Trade/Southern Lord) und mutet, obwohl sie mit Bass- und Schlagzeugbegleitung aufgenommen ist, fast wie ein Soloalbum an, das ihn als höchst legitimen Erben von Jimi Hendrix ausweist. Ebenso wie sein Vater ziert er seine Cover zumeist mit eigenen Kunstwerken, was immer ein sehr stimmiges Ganzes ergibt.

Dieser zunächst als Grafiker ausgebildete Peter Brötzmann (*1941-2023) – seine Instrumente sind alle Arten von Saxophonen und Klarinetten – hatte seine ersten Auftritte in einem Projekt von Don Cherry. Wenig später wurde er zu einem der wichtigsten Akteure des deutschen Freejazz, dem er immer weiter teilweise sehr extreme Schattierungen hinzufügt. Sein Werk ist so komplex, dass ich hier nur ein paar wenige Alben nennen will. Den Klassiker „Machine Gun“ (1968) sollte man sich auf jeden Fall mal konzentriert angehört haben. Eine schöne Kuriosität ist die Platte „Schwarzwaldfahrt“ (1977, FMP) bei der er zusammen mit dem Drummer Han Benninck und Instrumenten durchs Unterholz zieht und Bachrauschen, Vogelgesänge, das Klopfen auf Baumstämme mit in die gemeinsamen vor Ort aufgenommenen Improvisationen einfließen lässt. Meine erste Begegnung (und das ist immer etwas Besonderes) war das Solo-Projekt „No Nothing“ (1991, FMP) bei er gleich einem Schlangenbeschwörer auf verschiedenen Blasinstrumenten den Zuhörer betört. Eine weitere beeindruckende Solo-Live-Aufnahme stammt aus dem „Münster Bern“ (2015, cubus) bei der er den Resonanzraum der gotischen Kirche für Register von Bellen bis zu sanften Melodien mit nutzt. Sehr hörbar sind seine in den letzten Jahren entstandenen Arbeiten mit der Pedal-Steel Gitarristin Heather Leigh wie „Sparrow Nights“ (Trost, 2018). Eine ganz gute Zusammenfassung seines weiteren Werks findet sich HIER.

1990 haben Vater und Sohn ein gemeinsames Album „Last Home“ (Pathalogical) aufgenommen das leider mehr oder weniger vergriffen ist.

Die Cherrys

Don Cherry (1936–1995) ist so ein bisschen der „Hidden Track“ der Jazzgeschichte. Er war bei wichtigen Evolutionen wie der Entdeckung des Free Jazz (1961, Atlantic) mit Ornette Coleman und der Entwicklung der Avant-Garde (1966, Atlantic) mit John Coltrane dabei und spielte mit vielen anderen die Rang und Namen hatten (dazu ein anderes Mal mehr). Vielleicht war es seine immer vorwärtstreibende Rastlosigkeit, die dazu führte dass er bis heute nicht in der ersten Reihe der großen Jazzmusiker wahrgenommen wird. 

Sein Instrument war die Taschentrompete, aber neben diversen Flöten und Klavier beherrschte er noch zahlreiche andere Instrumente, die er im Laufe seines Lebens zusammensammelte. Für mich prägend waren vor allem seine Alben „Mu“ First Part (1969, actuel 1) und „Mu“ Second Part (1969, actuel 31), die er als Multiinstrumentalist zusammen mit dem Perkussionisten Ed Blackwell einspielte. Seine Kompositionen verweben hier traditionelle Musik ganz verschiedener Kulturkreise mit freier Jazzimprovisation und setzten einen aufregenden Meilenstein für die Globalisierung des Jazz.

Seine Stieftochter Neneh Cherry (*1964) ging etwas andere Wege, trägt aber durchaus den Geist ihres Vaters in sich. Vom Punk kam sie zum Hip-Hop und war an der Entwicklung des Trip Hop beteiligt.

Ihr sind Pophymnen wie „Manchild“ und „7 Seconds“ (mit Youssou N’Dour) zu verdanken und weitere, immer sehr engagierte, Musikproduktionen wie z.B. „Broken Politics“ (2018). Das Erbe ihres Vaters verarbeitete sie mit dem Jazztrio „The Thing“ um den Saxophonisten Mats Gustafsson (Blogeintrag vom 11.12.21) auf dem Album „The Cherry Thing“ (2012). Sehr besonders finde ich ihr Album „Blank Projekt“ (2014, alle Smalltown Supersound), das sich sehr minimalistisch auf elektronische-perkussive Klänge und ihre warme Soul-Stimme reduziert. Möglicherweise gar nicht so weit von „Mu“ entfernt.

… bewegt sich sehr frei zwischen verschiedenen Musikstilen, bildender und darstellender Kunst. Das Whitney-Museum in New York widmete ihm im Herbst 2019 eine eigene Ausstellung mit seinen Kunstwerken, Performances und Konzerten. (Es lohnt sich das anzusehen!)

Vor allem ist er ein ausgezeichneter Komponist und Pianist, was mit folgenden Werken gut bezeugt werden kann:

Vor einem Jahr erschien sein von der Literatur Toni Morrisons (1931–2019) inspiriertes Soloalbum „The Sound Will Tell You“ (2021, via bandcamp.com). Dieses faszinierende Album beginnt mit einem Stück, das den Titel „Follow the Light“ trägt und man hat tatsächlich dem Eindruck über dem Rest der Platte einem hellen Strahlen zu folgen.

Im selben Jahr erschien ein Duoalbum mit Archie Shepp „Let My People Go“ (2021, Archiball). Der Saxophonist hat in Jason Moran für sein Instrument und seinen Gesang wieder einmal einen höchst ebenbürtigen Partner gefunden (» duo – erste Spalte).

„Wie ein Maler mit einer frischen Leinwand benutzt Moran sein Klavier, um Farben, Stimmungen und Ideen nach Lust und Laune zu illustrieren.“ (AllAboutJazz)

Eine weiteres Duoalbum, diesmal mit dem Saxophonisten Charles Lloyd „Hagar’s Song“ (2013, ECM), zeigt ebenso, dass Moran zum einen ein sehr sensibler Begleiter ist, dennoch aber auch hier ganz eigene Akzente zu setzen weiß! 

„Ou bien le débarquement désastreux“ ist eine Musiktheaterinszenierung von Heiner Goebbels aus dem Jahr 1995 (ECM) mit Texten von Joseph Conrad, Heiner Müller und Francis Ponge über das Verhältnis von Mensch und Natur. Hier verschmelzen afrikanische Klänge (Gesang, Kora, Djembe) mit E-Gitarre, Keyboard und Posaune zu einer dichten Sprach-Musik-Collage. Tragend dabei ist die Stimme des Schauspielers André Wilms, die dem ganzen Stück einen quasi rappenden Rhythmus verleiht und den Texten ihre eigene Melodie. Einer der größten Schätze meiner Plattensammlung (> basis).

Diese Woche ist André Wilms, der dem Theater und unter anderem den Filmen von Aki Kaurismäki ganz besondere poetische Momente verliehen hat, verstorben.

Ein fantastisches Album (das Cover eher weniger) mit einer Liveaufnahme vom Montreux Jazz Festival aus dem Jahr 1981 – auch für Jazz-Einsteiger. Der Pianist Oscar Peterson saust schwindelerregend über die Tasten, Niels-Henning Øersted-Pedersen bearbeitet so federnd seine Bassseiten, dass es eine wahre Freude ist (ist es bei ihm eigentlich immer) und Terry Clark trommelt sich um Kopf und Kragen. Zusammen erzeugen sie eine Energie die sowohl als Hintergrundmusik, als auch konzentriert gehört, sehr schnell Herz und Hirn erreicht.

Nach einem kurzen Kochrezept geht’s wieder mit Musik weiter, und zwar mit einem Rückblick auf ein – trotz allem – sehr aufregendes Konzertjahr. Glücklicherweise haben viele Veranstalter nicht resigniert und unter Einhaltung von vertrauenserweckenden Sicherheitsmaßnahmen, weiter Livemusik geboten. In Zeiten, in denen digitales Musikhören zunimmt (welches man über Abos und das Zahlen für Downloads und Streamingkonzerte durchaus unterstützen kann!) und Plattenverkäufe zurückgehen, sind auch Konzerte eine wichtige Einnahmequelle für Musiker.

Neben dem dreitägigen Inntöne-Festival-Marathon (siehe Blogeintrag vom 30. Juli), war das von Juni bis Dezember ein abwechslungsreicher Strauß mit Musikern aus Frankreich (Sylvain Kassap, Aïrelle Besson, Michel Portal, Jean-Louis Martinier, Daniel Humair), aus Deutschland (Autochrom, XXXX, Nils Wogram/MUSE, Heiner Goebbels, Rebecca Trescher), insbesonders aus München (Jason Seizer/Claus Raible, Embryo, Moon Not War, Musica Povera, TMTxplosif, Hugo Siegmeth/Axel Wolf, Mathias Lindermayer Trio, Trio Sfera), aus Dänemark (Christian Wallumrød Ensemble) und aus den USA (Thumbscrew, Myra Melford und Uri Caine) – alle Konzerte im Großraum München und alle richtig gut!

Am interessantesten ist es die Konzerte danach auszuwählen, ob der Ankündigungstext vielversprechend klingt, oder man die bisherige Arbeit der Künstler schätzt, nicht aber das aktuelle Programm kennt. Heraus kommt dann eine Art „Blind Date“, aber da Livemusik selten schlecht ist, bleibt das Risko auf große Enttäuschungen überschaubar …

Ich überlege schon länger ob ich auf dieser Seite eine Rubrik mit Konzerten eröffne, bin aber noch zu keiner Entscheidung gekommen. Auf jeden Fall finde ich, dass es immer wieder eine gute Idee bleibt, den Umständen zu trotzen und weiterhin Konzerte (Kino, Theater, Ausstellungen) zu besuchen.

ein ohr draufwerfen wird ein Jahr. Zu diesem Anlass gibt es hier ausnahmsweise ein Kochrezept: 

STADTWURST MIT MUSIK – eine fränkische Brotzeit
Dazu braucht man einen Ring (Nürnberger) Stadtwurst oder Regensburger, zur Not gehen auch Lyoner. Die Wurst wird in dünne Scheiben geschnitten, ein paar Essiggurken auch. Diese werden mit in feine Ringe geschnittenen roten Zwiebeln vermischt. Angemacht wird der Salat mit Essig, Öl, Salz und Pfeffer. Und hier beginnt die Improvisation: ob Sonnenblumen-, Oliven-, Kürbiskernöl oder anderes, ob Weißwein-, Himbeer- oder Balsamicoessig bleibt jedem selbst überlassen. Manchmal nehme ich auch frische Gurken- bzw. Rettichscheiben statt der Essiggurken, füge Kräuter wie Petersilie, Schnittlauch, Majoran oder ähnliches hinzu. Warum es „mit Musik“ heißt ist nicht so klar, aber wenn man noch Scheiben von rotem und weißem Presssack und/oder Ochsenmaulsalat hinzufügt, heißt das in Franken „Gwerch“ (= Zeugs) und ist noch spezieller – so wie Freejazz oft auch.

Besten Dank all denen die hier bisher vorbeigeschaut haben und ich freue mich über weiteres Interesse.

Dieses Album ist keine leichte Kost, aber es wird bei jedem erneuten Hören schöner und selbst beim zehnten oder elften Durchlauf hat man immer noch den Eindruck die Stücke ganz neu zu hören.

Die amerikanische Gitarristin Mary Halvorson und die Schweizer Pianistin Sylvie Courvoisier, beide feste Bestandteile der New Yorker Avantgardejazzszene, schmiegen und kräuseln ihre Töne so intensiv umeinander herum, bis man nicht mehr so genau weiß welcher Klang zu welchem Instrument gehört. Dabei wird dialogisiert, gestritten, harmoniert, gespaßt, gerieben und in vielen Momenten ergreifende Schönheit produziert, die oft lange im Ohr nachklingt. Sozusagen Avantgardejazz-Ohrwürmer – und das sind sehr seltene Tierchen.

Als Referenz für dieses Album nennen beide Musikerinnen das Album „Undercurrent“ (1962) von Bill Evans (Klavier) und Jim Hall (Gitarre) – darauf könnte man bei der Gelegenheit auch mal (wieder) ein Ohr werfen …

Sylvie Courvoisier & Mary Halvorson
Searching For The Disappeared Hour
2021, Pyroclastic

Zum 100. Geburtstag von Dave Brubeck (1920–2012) sendete France Musique vor ziemlich genau einem Jahr ein beeindruckendes 10-teiliges Portrait mit dem Titel „Take 100“. Bis auf die letzte Folge (ein unveröffentlichtes Livekonzert) sind alle Folgen noch auf der Seite des Senders abrufbar.

Die Reihe basiert auf einem Interview (das auch separat auf Englisch abrufbar ist), das der Jazzjournalist Alex Dutilh 2009 in Brubecks Haus in Newport/Connecticut mit ihm aufgezeichnet hatte, und für diese Episoden mit Esprit und Leidenschaft in neun Themenblöcke aufgeteilt hat:

1. die Ausbildung bei Darius Milhaud am Mills College in Oakland; 2. die Jahre des Ausprobierens mit verschiedenen Formationen; 3. die ersten Tourneen durch amerikanische Universitäten; 4. der Dialog mit anderen Kulturen auf Konzertreisen durch die ganze Welt, aus dem die Aufnahmereihe „Jazz Impressions of …“ (Japan, Eurasia, New York) entstand; 5. das mit Brubecks Frau Iola und Louis Armstrong konzipierte Musical „The Real Ambassadors“ über die Geschichte schwarzer Jazzmusiker; 6. seine Experimente mit ungewöhnlichen Rhythmen; 7. die enge musikalische Beziehung zum Saxophonisten Paul Desmond; 8. Zusammenarbeiten mit anderen Musikern, auch aus folgenden Generationen, insbesondere mit seinen Kindern; und abschließend 9. ein Parcours durch die „geheimen Gärten“ seines Werks in denen sich Ballettmusik ebenso wie ein Duo mit Charles Mingus und eine Gesangsversion des Brubeck-Klassikers „Take Five“ finden.

All dies ermöglicht einen tiefen, ausführlichen Einblick in das Werk des Komponisten, Bandleaders und Pianisten Dave Brubeck und selbst wenn man des Französischen nicht mächtig ist, alleine die Musikauswahl ist eine lohnenswerte Auswahl von teils weniger bekannten Höhepunkten seines Schaffens.

P.S. Ich hatte mir diese Reihe an zehn aufeinanderfolgenden Tagen bei ausgedehnten Winterspaziergängen angehört. Seitdem verbinde ich verschiedene Orte mit einzelnen Brubeck-Stücken.

Auch wenn es bei mir musikalisch sonst gerne abwechslungsreich zugeht, an Weihnachten läuft seit Jahren dasselbe:

1 ― „Das Weihnachtsoratorium“ von J. S. Bach: Bisher unübertroffen, die 2007 erschienene Aufnahme der Cappella Amsterdam mit dem Combattimento Consort Amsterdam unter der Leitung von  Jan Willem de Vriend (Challenge Classics). Eine sehr luftige, beschwingte Version in historischer Aufführungspraxis.

2 ― „Die Weihnachtsgeschichte“, 1963 inszeniert und geschrieben von Carl Orff und Gunild Keetmann mit dem Tölzer Knabenchor (harmonia mundi). Auch wenn hier frühe Kindheitserinnerungen mitspielen, bleibt dieses musikalische Krippenspiel mit Orffschem Instrumentarium und bayerischen Sprechtexten einzigartig und zeitlos.

3 ― Die Betlehem Allstars unter der Leitung von Klaus Trabitsch (Gitarre) und Otto Lechner (Akkordeon) spielen traditionelle Weihnachtlieder die sich zwischen hawaiianischen und alpenländischen Klangspektrum bewegen, aber trotzdem immer noch sehr weihnachtlich klingen. („Fürchtet Euch nicht“, 2000, Windhund; „Still“, 1996, geco Tonwaren)

4 ― Mit Kindern (eigentlich auch ohne) sind die beiden Bilderbuch-CDs von Franziska Biermann und Nils Kacirek der Hit: ”Am Weihnachtsbaume …” (2013) und „Übermorgen kommt der Weihnachtsmann“ (2019, beide Carlsen Verlag) mit flott und humorvoll arrangierten Liedern zum laut mitsingen.

Gerade sprießen wieder aus allen Richtungen die Bestenlisten des Jahres 2021 und meistens sind sie doch sehr ähnlich. Leider werden dabei die „Meisterwerke“ aus den kleinen, feinen Labels nur selten erwähnt. Diese Seite ist auch ein Versuch den Blickwinkel  mehr hierauf zu lenken und wenn ich mir meine in diesem Jahr entstandene Liste unter „NEUES“ so anschaue, sind das zumeist Alben die ich immer noch wahnsinnig gerne höre und eigentlich nicht gegeneinander abwägen möchte.   

Ein paar Dinge sind mir dabei dennoch aufgefallen: der französische Bassist Bruno Chevillon war an gleich drei Projekten beteiligt („Là“, „Ricerare“ und „MP85“), was aber auch nicht verwunderlich ist weil er seit langer Zeit zur Riege der kreativsten Bassisten gehört (hierzu ein andermal mehr). Überraschungen des Jahres waren zum einen ein Typ namens Danger Dan, der der Gilde der engagierten Liedermacher einen frischen Anstrich verpasste und zum anderen ein Album mit dem schönen Titel „The Kiss“, das die Fähigkeit hat jegliches Pandemie-Trübsal (mit Saxophon, Bass und Drums) wegzublasen.  

Ein Platte hatte ich übrigens völlig vergessen zu erwähnen: „As An Unperfect Actor“ (2021, ACT) auf der die Schauspielerin Birgit Minichmayr begleitet von Quadro Nuevo und anderen hervorragenden Musikern Shakespeare-Sonette singt. Musik, die die durchaus auch derben Seiten des 16. Jahrhunderts schön heraufbeschwört und seit dem Sommer bei mir oft läuft.

2021, Rune Grammofon

Das Cover lässt an die Schatteninstallationen  Christian Boltanskis denken, die Musik transportiert Projekt wie Pharoah Sanders „Thembi“ (Impulse!, 1971) konsequent ins 21. Jahrhundert. Mats Gustafsson reizt – wie es ihm der Free-Jazz Saxofonist Peter Brötzmann, mit dem er öfters spielt, vorgemacht hat – Blech- und Holzblasinstrumente in Extreme aus. Weitere Blechbläser fügen Brass-Band-Elemente hinzu. Donnernder Beat der Rhythmustruppe. Klingt radikal, ist es auch, aber – die ganzen 37 Minuten sind richtig gut anhörbar.

Mats Gustafsson: Flöte, Baritonsaxofon, Elektronik
Johan Berthling: E-Bass 
Andreas Werlin: Schlagzeug 
Als Gäste:
Mats Äleklint: Posaune, Sousaphon
Goran Kajfes: Trompete

P.S.
In erweiterter Besetzung (bis zu 28 Musiker) nennt sich das ganze Fire! Orchestra. Das ist rockiger aber genauso interessant.

Nina Simone – Little Girl Blue
1959, Bethlehem 

Dies ist ein Album das von vorne bis hinten große Freude macht: Das sehr beachtliche Debüt der gerade Mitte zwanzigjährigen Nina Simone, das sie in einem einzigen Take 1957 aufgenommen hat. Mit ihrer außergewöhnlichen Stimme und akzentuiertem Klavierspiel (dem man die klassische Ausbildung hier besonders deutlich anmerkt), entwickelt sie einfache aber wirkungsvolle Arrangements. Auf den ersten Blick ein sehr bescheidenes Album, das beim aufmerksamen Hören seine Schönheit erst richtig entfaltet. Und für Fußball-Fans ist auch etwas dabei: ein perlendes „You’ll never walk alone“ als Instrumentalfassung mit ergreifend schöner Kontrabass-Begleitung am Ende. (siehe auch „stimmen“)

Norwegen ist ein Land mit weiten, einsamen Landschaften und einer vorbildlichen Jazzförderung. Kein Wunder dass dort immer wieder spannende Projekte wie diese entstehen:

1 ― Maridalen (2021, Jazzland): Das Maridalen Trio besteht aus Saxophon, Trompete und einem Kontrabass. Zu hören sind wohlklingende Melodien bei denen die Blasinstrumente meist so zart gespielt werden, dass der Atem der Spieler präsent bleibt. Der Kontrabass setzt ein meist swingendes und rhythmisierendes Fundament darunter. Der warmen Ton und die in sich ruhende Atmosphäre resultiert bestimmt aber auch daraus, dass die Aufnahme in einer einsam gelegenen Holzkirche entstand.

2 ― Christian Wallumrod Ensemble, „Many“ (2020, Hubro): Auch diese Musik ist von ganz viel Ruhe getragen, manchmal hat man sogar den Eindruck die Kompositionen sind um die Pausen herumgebaut. Vor einiger Zeit hatte ich das Glück dieses Ensemble mit diesem Programm live zu erleben. Dabei zelebrierten sie das Unerwartete so dicht, dass die Aufmerksamkeit auf jedes noch so kleinste Detail gezogen wurde. Neben Klavier, Schlagzeug, Saxophon und Trompete spielten Cello und Tenorblockflöte und alle Musiker erzeugten weitere Töne aus kleinen elektronischen Utensilien.
Auch hervorragend: „Outstairs“ (2013, ECM). (siehe „mehr“)

3 ― Maria Kannegaard Trio, „Sand I en vik“ (2020, Jazzland): Beginnend mit drei zeitversetzten „Paukenschlägen“ entwickelt das Trio (Klavier, Bass, Schlagzeug) eine Spannung die voller überraschender Details steckt. Auch hier haben die Pausen bzw. Stille einen hohen Stellenwert. Dennoch ist das Album insgesamt eher von expressivem Sturm und Drang geprägt (wie man es von nordischem Jazz kennt), aber eben auch von viel Minimalismus durchwoben.

Bei meinen Streifzügen durch die Musikwelt bin ich kürzlich auf das Duo von Steve Lacy (1934–2004) und Mal Waldron (1925–2002) gestoßen. Die beiden amerikanischen Musiker spielten viel mit Jazzgrößen wie Gil Evans oder Charles Mingus, bevor sie beide Mitte der 1960er Jahre nach Europa übersiedelten und dort in verschiedenen Musikgenres Impulse setzen.

Der Saxophonist Steve Lacy, ein wichtiger Akteur des Avantgardejazz war u. a. in Italien Teil des Ensembles Musica Elettronica Viva, das sich mit der Erforschung elektronischer Möglichkeiten im Bereich der Neuer Musik beschäftigte. Der Pianist Mal Waldron spielte u.a. mit der Gruppe Embryo die in zahlreichen Reisen durch die ganze Welt, ihre anfänglich eher rockigen Klänge mit Einflüssen aus anderen Musikkulturen anreicherte.

Beide Musiker fanden immer wieder zum gemeinsamen Spielen zusammen und bildeten eine enge musikalische Einheit, die ich besonders und schön finde. Ihre gemeinsame Leidenschaft für Thelonious Monk bildete oft eine Grundlage, aber Kompositionen beider Musiker sind zu hören zum Beispiel auf: „Live in Berlin“ (2007, Jazzwerkstatt) oder „Live at Dreher Paris 1981“ (2003, hatOLOGY). Ich denke da gibt es – in beide Richtungen – noch einiges zu entdecken.

Das Konzept des Jazzfest Berlin gleicht immer mehr dem der Kunstbiennale in Venedig: Ein groß gedachtes Event mit Blick auf anderen Kontinente, neue Trends und bei der Auswahl der Musiker mehr auf das Konzept als auf berühmte Namen schauend.

Beeindruckende Spielorte, Zuspielungen aus anderen Metropolen, beauftragte Kompositions- und Videoarbeiten, adäquat ergänzt durch Konzertaufnahmen verschiedener deutscher Rundfunkanstalten. Und alles (!) absolut hörenswert. Da sieht man als durchaus kulturverwöhnter Münchner schon auch mal sehr wehmütig nach Berlin.

ABER, großes Glück – auf der Webseite des Festivals und auf ARTE Concert stehen nun ein Jahr lang sämtliche Beiträge zum Ansehen und Anhören zur Verfügung. Genug Zeit also, sich – auch jenseits der oft etwas überfordernden Festivalatmosphäre – auf allerlei Spannendes in Ruhe einzulassen.

Heute vor hundert Jahren wurde Georges Brassens (1921-1981), der große Freigeist des französischen Chansons geboren. Vieles gäbe es von ihm zu erzählen: von seiner Großherzigkeit, von seiner scharfsinnigen Beobachtungsgabe, seiner spitzbübischen Freude an der Provokation, seinen wunderschönen zeitlosen Melodien, die immer sehr kunstvoll auf die Texte abgestimmt sind. Gerade diese von Brassens fein ausgearbeiteten (Lied-)Texte, die nach wie vor von bestechender Aktualität sind, bilden das einzigartige Zentrum seines Werks. Sie sind vor Kurzem in sehr passabler deutscher Übersetzung im Mandelbaum Verlag erschienen und laden ein dieses vielfarbige Universum auch ohne Französischkenntnisse zu entdecken. Leider ist das Buch nicht ganz günstig, aber durchaus lohnenswert, denn der Übersetzer bleibt ganz nahe am Original.

Und dann hört man sich natürlich noch durch seine 14 Studioalben (1952-1976), welche jeweils den Titel des ersten Chansons tragen und von derart gleichbleibender Qualität sind, dass man beim bestem Willen keines besonders hervorheben könnte. Eine schöne Ergänzung hierzu ist das 1980 aufgenommene Album „Georges Brassens chante les chansons de sa jeunesse“, mit einer sehr charmanten Auswahl und Darbietung von Liedern, die ihn seit seiner Jugend ganz besonders beeinflusst haben. 

Faszinierend und komplex ist das energiegeladene Klavierspiel Erroll Garners (1921–1977). Bei seiner besonderen Technik hat man manchmal den Eindruck er würde sein Instrument mit Hämmern bearbeiten. Das 1955 entstandene „Concert by the Sea“ (Columbia) gehört zu den großen Werken des Jazz. Anlässlich seines 100. Geburtstags in diesem Jahr ist gerade das 1959 gegebene „Symphony Hall Concert“ (Mack Avenue) erschienen – ein weiteres sehr schönes Zeugnis seiner Kunst.

Dieses Album nennt sich „Nick Mason’s Fictious Sports“ und ist 1981 erschienen. Nick Mason ist der Drummer von Pink Floyd. Dieser ist mit Michael Mantler befreundet. Der war als das Album entstanden ist mit der Jazzkomponistin Carla Bley verheiratet. Und genau die hat dieses Album geschrieben, komponiert und arrangiert und mit Nick Mason und vielen anderen (Jazz)Musikern aus ihrem Umkreis aufgenommen. Herausgekommen ist verdammt gut arrangierte, mitreißende Musik. Ein Stück klingt noch ein bisschen nach Pink Floyd (Hot River), andere eher funky (Wervin’, Can’t get my motor to start) oder poppig ( I was wrong). Kurzum ein großer Spaß mit extrem lustigen Texten und vielen musikalischen Einfällen. Ach ja, auch Robert Wyatt ist als Sänger mit von der Partie.

Chris Speed – Light Line
2021, Intact Records

Chris Speed erlebte ich zum ersten Mal Anfang der 90er Jahre in einem kleinen Club in Paris, den Instants Chavires, bei einem denkwürdigen Konzert mit dem Tim Berne’s Bloodcount. Seitdem begegne ich dem amerikanischen Saxophon- und Klarinettenspieler immer wieder in verschiedenen breitgefächerten Avantgarde-Jazz-Formationen live und auf Platte – was eigentlich immer hörenswert ist.

Und nun also ein ganzes Album solo mit der Klarinette. Nur Kompositionen – eigene und von anderen (Eric Dolphy, Paul Motion, etc.). 15 Titel, 49 Minuten. Dies erfordert natürlich Aufmerksamkeit – aber man bekommt schnell das Gefühl als würde man auf einer Parkbank sitzend einem Vogel beim Singen zuhören. Kurzum eine unterhaltsame, entspannende und durchaus lohnenswerte Hörerfahrung!

30. Juli – 1. August 2021

Kleines feines Festival in Österreich.

Anfang der neunziger Jahre lud der Magnum-Fotograf Guy Le Querrec drei mit ihm befreundete Musiker ein, ihn auf zwei seiner Reisen durch den afrikanischen Kontinent zu begleiten. Er selbst fotografierte mit seiner Leica, die drei anderen gaben Konzerte und musizierten mit Einheimischen. Aus diesen Erfahrungen entstanden diese drei – zuhause in Frankreich aufgenommenen – Alben, die von ausladenden Booklets begleitet werden, in denen die entstandenen Fotografien abgebildet sind. Der Musik merkt man die Einflüsse der afrikanischen Rhythmen sehr wohl an, es ist allerdings keine sogenannte Weltmusik, sondern mal lyrischer, mal sehr freier und meist sehr energiegeladener europäischer Jazz, der den Vergleich mit amerikanischen Kollegen nicht scheuen muss.

Das Trio mit Louis Sclavis (Klarinette, Saxofon), Henri Texier (Bass) und Aldo Romano (Schlagzeug; Gitarre auf „AF“) existierte zwar (abgesehen von ein paar Liveauftritten) nur für dieses Projekt, aber alle drei leisten in zahlreichen anderen Formationen weiterhin Beachtliches für den französischen Jazz.

Romano ◆ Sclavis ◆ Texier ◆ Le Querrec
Carnet de Route (1995)
Suite Africaine (1999)
African Flashback (2005, alle Label Bleu)

Manchmal ist es in Ordnung, wenn Musik einfach nur schön ist. Man lässt sich auf einer Wolke nieder und lässt sich durch wohlklingende Klanglandschaften tragen. Dennoch ist Schönheit eine ganz eigene Kunst, die es zu beherrschen gilt und die Komponistin und Trompeterin Airelle Besson ist darin ganz meisterhaft.
„Radio One“ (2016, Naive) & „Try“ (2021, Papillon Jaune)
Auch gut: „Aïrés“ (2017, Alpha – mit Édouard Ferlet und Stéphane Kerecki)

Dieses 2019 erschienenene Album ist äußerst rätselhaft. „Finding Gabriel“ heißt es und ist von Brad Mehldau, einem großartigen amerikanischen Jazzpianisten. Wabernde, zuckrige Synthesizerklänge, biblische Themen, viel Elektronik, sphärische Chöre, umherschwirrende Stimmen … extrem vielseitig, abwechslungsreich, neuartig, hervorragende Musiker, variationsreiches Instrumentarium …
So irritieren das alles ist, dieses Werk zieht mich immer wieder magisch an. Und daher ringe ich – wie Jakob in der Bibel mit dem Engel (Gabriel) – immer wieder von Neuem mit dieser Musik um zu verstehen was hier passiert. Möglicherweise doch ein Meisterwerk? Einen Grammy gab es bereits!
Auf jeden Fall ist es schön, wenn einen „Lieblings“-Musiker dazu bringen, bestehende Hörgewohnheiten zu überdenken ………

Musik die ich in eigentlich jeder Stimmung hören kann sind die Goldbergvariationen, der „heilige Gral“ der Klaviermusik. Die Versionen dieser vier Pianisten haben es mir besonders angetan:

1 ― Glenn Gould
Er ist sozusagen der Gralshüter. Von ihm gibt es zwei Gesamteinspielungen. Ich bevorzuge die erste aus dem Jahr 1955. Goulds Tempi reichen von sehr flott bis äußerst langsam, trotzdem ist sein Spiel von derartiger Klarheit dass es immer wieder ein Erlebnis ist ihm durch die 30 Variationen zu folgen.

2 ― Zhu Xiao-Mei
Von tiefer Ruhe und Einfachheit getragen ist das unprätentiöse Klavierspiel der chinesisch-französischen Pianistin. Es bringt Essenz des Bachschen Variationen zum Vorschein ohne dass es der Aufnahme an fröhlicher Lebendigkeit mangelt. (2007, harmonia mundi).

3 ― Wilhelm Kempff
Sehr sympathische Version (Deutsche Grammophon, 1970), die sich durch das Weglassen aller Verzierungen auszeichnet.

4 ― Dan Tepfer
Der amerikanische Jazzpianist spielt alle Variationen (in sehr eigenwilligem Rhythmus) im Wechsel mit eigenen freien Interpretationen (2011, Sunnyside). Das ist ungewöhnlich spannend und ein oft sehr lustiges Hörerlebnis. Denn manchmal klingen diese Interpretationen ein bisschen als hätte der Pianist Schluckauf … (Am Rande: Schluckauf/Hoquetus ist auch eine eigene Musikgattung »)

Interessantes Spiel: Von jeder Aufnahme jeweils das gleiche Stück hintereinander spielen und mit der freien Improvisation Tepfers enden …

Lesebefehl:
„Der Fetzen“ von Philippe Lançon (2019, Tropen Verlag). Der Kulturjournalist, der 2015 das Attentat auf die Charlie Hebdo-Redaktion schwer verletzt überlebt hat, beschreibt in dieser beeindruckenden Erzählung seine langwierige körperliche und mentale Wiederherstellung. Hierbei haben ihm neben Literatur (Proust, Kafka und Manns „Zauberberg“) und Filmen vor allem die Bachschen Klavierwerke – insbesondere die Goldberg-Variationen – geholfen Würde zu bewahren und Kraft gegeben durchzuhalten. Ein starkes Buch auch über Kunst und Kultur als Lebenselixir.

Graham Costello – Second Lives
2021, Gearbox

So, hier kann man die Anlage mal ruhig richtig aufdrehen. Nach einem ersten spährischen Stück mit dem sonderbaren Namen အစ, und einem nachfolgendem Crescendo knallt zunächst das Schlagzeug bei Drei so richtig los. Die Melodielinien der Instrumente sind mal zu mächtigen (sind das tatsächlich nur zwei Blechbläser?), mal zu zarten Klangteppichen verwoben. Es sind Kompositionen des Schlagzeugers Graham Costello der mit seinen vier Mitspielern Fergus McCreadie (Piano), Joe Williamson (E-Gitarre), Liam Shortall (Posaune), Harry Weir (Tenorsaxofon) und Mark Hendry (E-Bass) diese extrem gut aufgebaute Platte eingespielt hat. Und nach einem abwechlungsreichen Trip lässt einen letztendlich das finale (Titel)Stück sanft wieder aus der Aufnahme gleiten.

Hurraaaaaaa – ein Livekonzert! Und was für ein tolles: Autochrom, ein Trio das sich nach der Technik der ersten Farbfotografie benannt hat. Drei Farben, die zusammen ein farbiges Ganzes ergeben – besser kann man einen Bandtitel kaum wählen. Angeführt von Luise Volkmann, einer der derzeit interessantesten deutschen Musikerinnen. Autochrom verbindet die kindliche Freude am „Herumspinnen“ (die man eigentlich nie verlieren sollte) mit raffinierter Komposition. Jazz? Neue Musik? Egal!

Stilmäßig noch wüster wird es mit Volkmanns Projekt Eté Large, das unter anderem an britischen Experimental-Rock/Jazz der 70er und 80er Jahre erinnert oder auch die Dreigroschenoper. Dies und vieles mehr mit einer 13-köpfigen Musikercombo extrem kreativ und gekonnt weitergedacht und performt.

Ganz wundervoll finde ich auch das Projekt der Saxophonistin bei dem sie in Dialog mit einem Organisten (Didier Matry) an der Kirchenorgel tritt (ein durchaus ausbaufähiges Konzept :-)).

Vor ein paar Tagen ist noch eine neue Platte herausgekommen: LEONEsauvage, eine kollektive Free Jazz Big Band unter Volkmanns Leitung, die in alter Charlie Haden/Carla Bley-Tradition, eine ganze Menge an Revolutionen ausruft. Bleibt also weiter spannend!!

Autochrom
RGB
2019, Nwog

Été Large 
When The Birds Upraise Their Choir
2020, Nwog

Luise Volkmann ◆ Didier Matry 
Wünsche
2019, Umland

LEONEsauvage
Dreams to come
2021, Umland

Wenn das Motto des ECM-Labels „The most beautiful sound next to silence“ genau zutrifft, dann ist es bei dieser Aufnahme „Sunrise“ (2012) des Trios um den Pianisten Masabumi Kikuchi (1939–2015) mit Thomas Morgan (*1981) am Kontrabass und Paul Motian (1931–2011) am Schlagzeug.

Das ist Musik, die sich an der Schwelle zum Verschwinden befindet. Derartig Minimales kann unter Umständen anstrengend sein, doch hier entwickelt sich ab dem ersten Ton eine Zauber der (mich) tief berührt. Warum das so ist? Ich weiß es nicht! Erfahrung? Sensibilität? Auf jeden Fall ist es ist immer schön wenn sich ein solches Gefühl bei Musik einstellt …

Auch das Cover ist so strahlend schön wie die Töne selbst. Kleiner Kritikpunkt könnten die Geräusche sein die der Pianist hin und wieder ausstößt, aber entweder man stellt sich einfach einen Baum voller Krähen im Hintergrund vor oder man akzeptiert es als archaisches Zusatzinstrument.

Wein nach Etikett zu kaufen funktioniert meistens ganz gut. Bei Musik ist das anders: Vor vielen Jahren, als man noch stundenlang in Plattenläden herumlungerte, war oft das Cover ein verlockender Erstkontakt. In meiner Erinnerung waren es letztendlich aber nur zwei Alben die ich mehr oder weniger nur kaufte, weil mir das Cover so gut gefiel.

„Breadcrumb Sin“ von Jamie Saft das eine Handpuppe zierte, das andere „World Gone Wrong“ mit einem besonders stimmungsvollen Foto von Bob Dylan. Kurioserweise erschien einige Jahre später ein Album „Trouble“ auf dem Jamie Saft seine Lieblingssongs von Bob Dylan covert. Und diesem Fall sind Cover UND Musik wahnsinnig lässig.

Bob Dylan wird heute achtzig. Ich bin weder Dylanologe, noch zähle ich zu den bedingungslosen Fans, dennoch fasziniert er mich seit langem: als legitimer Erbe der Beat Generation, als eleganter Stilist, als jemand der sich stetig weiterentwickelt und neu erfindet. Man kann das als Brüche sehen, aber vielleicht ist er einfach jemand, der keine Lust hat immer nur das Gleiche zu machen. Ist auf jeden Fall spannend sich immer wieder von neuem mit ihm zu beschäftigen. (siehe auch Cover)

Jamie Saft Trio
Trouble
2006, Tzadik

Jamie Saft: Klavier, Hammondorgel
Greg Cohen: Kontrabass 
Ben Perowsky: Schlagzeug
Gäste: Antony, Mike Patton (Gesang)